Reseña TV --- Muertos SL, una comedia negra sobre difuntos, fallecidos, cadáveres y la imposible mercadotecnia de las funerarias

• Si yo digo “muerte” tú dices 
• “Torregrosa”
• Muerte
• Torregrosa

La surreal escena me recordó cuando mi papá se iba a asociar con un amigo de la infancia para comprar una funeraria. En broma y entre tragos siempre decía a quién le preguntaba: no te deseo mal, pero ojalá te mueras.

Y es que un tanatorio, aunque empresa al fin, no es un negocio común. Es aquel que, sin ser pernicioso como la venta de armas o las drogas, se lucra del cese de la existencia, cumpliendo con los permisos, trámites y arreglos necesarios, pero también para darnos los lugares, rituales y formas para ayudar a lidiar con ella desde una neutralidad tan necesaria como útil. Lo más sobrio que hay.

“En materia de mercadotecnia, es un terreno inexplorado” dice Chemi, el yerno de la directora de Funerarias Torregrosa, “enchufado” en el puesto porque está desempleado, es familia y en secreto, lo recomendaron para garantizar el fracaso de la empresa ahora que ha fallecido su director y dueño.

Este personaje, totalmente infantilizado y obnubilado por sus lugares comunes y frases cohete: “crisis en chino significa oportunidad”, pone su afiche de Steve Jobs y se zambulle a tratar esta empresa como cualquier otra, con ideas innovadoras para penetrar el mercado, como se si tratara de una start-up, con frases y ethos de emprendimiento digital, con rutina de Tik Tok incluida.

Una comedia de enredos en una posición tan imposible como la visión ética de mi papá al tratar de vender su nueva inversión, que en Muertos SL se resuelve: una forma de hacer comedia mortuoria sin ser lúgubre ni ser obvios. Y eso se logra gracias al trabajo de Laura y Alberto Caballero (Machos Alfa, Aquí no hay quien viva) de Contubernio Films.

Como lo fue antes Machos Alfa para tratar sobre los debates contemporáneos sobre género, sexo, relaciones afectivas y personales, acá no se ríen de la muerte sino de situaciones laborales y empresariales inexploradas, ahora sí, de quienes trabajan en una funeraria con sus defectos y bemoles normales: la invasión, la impericia, el desinterés o las manías, así como las labores detrás de lo ritual: preparar, lavar, maquillar, peinar, desvestir y vestir al muerto, no el difunto, no el fallecido.

Porque entre términos especializados, honestidades no corporativas y expresiones sociales de todo tipo, hay momentos para la comedia negra y otros para la incorrección política, considerando que son solo empleados, son solo humanos y trabajar en un tanatorio no te hace especialmente empático, sensible, ético e incluso socialmente adaptado. ¿Quién trabaja maquillando a los muertos?

Así que no es Los Locos Adams ni Los Munsters, sino una especie de The Office y Señor Ávila en contrapunto, porque no es vender papel ni disimular, acá realmente se venden velorios y sepelios, pero revelando sin candor que también se aprovechan del dolor para vender algo tan inútil como un ataúd de lujo y muchos otros detalles efímeros, que pueden ser emocionalmente valiosos y comercialmente rentables.

Si yo digo muerte…

Todo empieza cuando el dueño de Funeraria Torregrosa se muere, justamente cuando una empleada lo iba a denunciar por acoso sexual “por tocarme el culo”. Acá el guiño a Machos Alfa en que todo cambia: es Succession pero en una PYME española, lo que no hace a los personajes menos humanos, o los intríngulis corporativos menos dinámicos. 

Su representante comercial, quien había acariciado por años lograr la sucesión, casi puede tocar la silla de la Dirección, pero como suele suceder en cualquier serie o película sobre herederos, cada quién tiene un plan distinto: desde continuar el legado a desprenderse del negocio por el dinero, para irse de vacaciones o crear algo modernísimo y novedoso.

Las hijas quieren montar un gimnasio, la viuda continuar con el legado y el desilusionado sucesor no se decide si arruinar el negocio para emerger como salvador o evitar que vaya a la ruina, para finalmente dirigirlo hacia sus planes a futuro: Ciudad Deceso, un complejo que se encargue de todo lo necesario para los últimos años de vida y descanso final. 

La viuda está decidida a continuar con el legado, hasta que aparece la denuncia de acoso sexual, lo que abre un abanico de incertidumbre sobre el destino del tanatorio como empresa familiar.

A la mezcla se combinan empleados peculiares, con actuaciones estupendas: el rarísimo tanatopráctico (una especie de Sheldon Cooper de la muerte, pálido, cerebral y antisocial) y su compañera Manuela (hermosísima, feminista y la conciencia social quisquillosa de todos los demás), la recepcionista aterrorizada con la enfermedad y la muerte, el chófer mujeriego y hedonista que es un pésimo empleo, ex-esposo y padre; el cremador a punto de jubilarse y obstinado de todo; el pasante manipulado que se debate entre complacer al jefe y aprender de verdad y la barista desenrollada que sólo está allí para pagar sus estudios universitarios (y tener algo de sexo).

Un elenco coral que brilla en sus actuaciones gestuales, sus diálogos de una normalidad pasmada por el negocio de la muerte y la realidad que no para pero que puede crear situaciones hilarantes: el derecho a huelga, la solidaridad de clase, la competencia comercial, las conferencias y la convivencia social, así como las dificultades de conseguir parejas estables, de balancear vida y trabajo y de tener estabilidad emocional.

El protagonista principal es Dámaso (Carlos Aceres), quien atiende a los deudos cuando necesitan un velorio y urde distintos planes para tomar la dirección de la funeraria, acompañado del tanatopráctico Abel Aguado (Gerald B. Fillmore), la recepcionista Alicia (Aitziber Garmendia), la viuda / dueña Nieves Torralba (Ascen López), el pasante Pablo Morales (Roque Ruiz), la vendedora de otra funeraria Vanesa Hernández (Amaia Salamanca), Manuela (Adriana Torrebejano), Anselmo (Manolo Cal), 
Laia (Lorea Intxausti), Pilar Torregrosa Torralba (Bárbara Santa-Cruz) y 
Milagros Torregrosa Torralba (Lucía Quintana).

Destaco especialmente el trabajo de Diego Martín como José Miguel “Chemi” Fondao [como un Peter Pan de la positividad tóxica] y de Salva Reina como Nino [chófer ebrio, drogadicto e irresponsable], que demuestran sus altísimas capacidades histriónicas, no solamente por cargarse la difícil y maravillosa parodia de la infaltable pareja imposible del inocente bondadoso y el oportunista curtido en las calles, sino por no dejar ni rastro de los personajes de Legado, en que fueron feroces y despiadados personajes que se aliaron y chocaron, con personalidades serias y gravísimas. 

Ellos dos, junto a Areces, se cargan en hombros las escenas más memorables, en que los acercamientos de cámara y los gestos sin palabras son de una altísima calidad histriónica, mientras también deben soltar diálogos incorrectos, estúpidos y malvados, en los que he tenido que detener la reproducción e incluso volver a retroceder, por la risa que me ha provocado. 

Mis disco favoritos de 2025: Never Enough de Turnstile: a veces post-hardcore, otras new wave y casi siempre ambas

A veces uno aprecia una banda antes que los demás, antes que sean famosos e incluso tanto tiempo antes que apenas, los recuerdas. Eso me pasó con ellos y ahora que están en mayor reconocimiento, uno dice, al mismo para sí mismo, yo ya sabía (o intuía). Aunque también hay que admitir, el disco con los que los conocí hace ocho años, Time & Space era básicamente hardcore punk y post-hardcore. 

La portada es extremadamente minimalista.

Con el doble single/video SEEIN´ STARS / BIRDS definen claramente lo que hacen y cultivan, por segunda vez después de Glow On, que son una banda que hace post-hardcore y rock alternativo, e incluso metal alternativo y hardcore punk, pero también dream pop, new wave y ambient pop, al mismo tiempo, con humor, creatividad, desenfado, alegría y guitarras que pueden ser psicodélicas, punketas e incluso metaleras, y todo al mismo tiempo. 

Me suena a esa nueva tendencia noventera de tocar canciones pop o radiales a ritmos de guitarras industriales, pero esto es algo extraordinariamente mejor, y sin recurrir al nintendocore. 

Algo quizás tan divertido y osado, similar a lo reciente de The Callous Daoboys así no alcancen sus alturas, sí hacen algo realmente que toma los sonidos ochentosos, de estas escenas tan disímiles y los unen de forma única. Es decir, es punketo ye electrónico pero no es synth punk, al revés, es una especie de hardcore/post-hardcore con sonidos del new wave y el dream pop, incluso ambient y hasta dance, pero pensado desde el concepto de banda, nada de laptops. ¡Grandioso!

Por ejemplo, en la canción I CARE se encuentran magistralmente todas esas influencias, por ejemplo. Y DREAMING es una locura con esos ritmos latinos y new wave junto a guitarras punketas. DULL es otra joya y ni hablar de LOOK OUT FOR ME, con sus bases discotequeras y pianos oníricos, siempre acompañadas de guitarras hardcoreras y ritmos rapcore, voces con reverb y atmósfera industrialosa. SLOWDIVE es otra gran canción, partiendo desde el metal alternativo, con las guitarras más potentes pero igualmente rítmicas y electrónicas, que pueden recordar a War Pigs de Black Sabbath.

Un par de excepción, CEILING y la del cierre, MAGIC MAN, que no tienen nada.

La banda es Brendan Yates en las voces, Daniel Fang [D-Fang] en la batería, Franz Lyons [Freaky Franz] en bajo y voces, Patrick McCrory y Meg Mills en guitarras. Entre los invitados, haciendo pequeñas partes, están el jazzista Shabaka en las flautas, Hayley Williams de Paramore y la cantante de country pop alternativo Faye Webster en los coros.

Mis discos favoritos de 2025: I Don’t Want to See You in Heaven (2025) de The Callous Daoboys, una bestialidad creativa que amalgama tropos del emo, el post-hardcore y el art pop en salvaje fusión de mathcore y metal avant-garde

Desde el comienzo este disco se comporta a la altura de su anterior, Celebrity Therapist, que para mí es una perfecta joya de post-hardcore con muchas influencias pesadas. Ahora inician con una bestialidad, desarrollándose de una manera sorprendente, combinando mathcore, metalcore, metal alternativo y post-hardcore, con guitarras gigantescas, monumentales, pero en el medio no sólo lanza un par de temas alrededor del pop, el dance y el math rock, e incluso con guitarras acústicas, siempre hay elementos de géneros alejados del rock en todo momento, incluyendo desde la fusión jazz (con violín en cada canción), la electrónica e incluso en el tema  Idiot Temptation Force, con grindcore y dance-pop conviviendo.

Y es que este tema es la epítome de la tesis del disco, con sus intercambios dimensionales entre géneros, que entran y salen en distintos porcentajes, cambian a cero, se reescriben y vuelven a escena, a veces sin tocarse sino rozándose, gracias a la precisión rítmica y de producción. Este tema también está enlazado con Douchebag Safari, totalmente bañado de samples que lo hace entre industrial, electronicore, post-hardcore atmosférico y el más amplio rock experimental.

Según RYM, es un disco de metal alternativo, mathcore y metalcore, aunque aún queda post-hardcore, al agregar saxofón y trombón (antes sólo trompeta), se acercan más al metal avant-garde y al metalcore progresivo, tipo BTBAM y Twelve Foot Ninja. Aunque también hay guiños a Mr. Bungle, tienen su propio idioma, como invitar a Orthodox, para añadirle capas de brutalidad modernista con guitarras expansivas y llenas de concreto e industrialidad.

Es genial, brutal, artístico, paseándose por diversas sombras del post-hardcore y el metal alternativo, pasando por el metalcore muy pesado, algo de djent, incluso grindcore, sin dejar de agregar capas de sonidos de dance-pop, post-punk y muchísimo mathcore para hacer todo tan pesado como complejo y extraño, además hay que ponerle el sombre más adecuado, es metal avant-garde así que los tiempos, tonos, estructuras y giros son parte de una propuesta que es tan sasscore como easycore, porque a pesar de las violentas formas guitarreras y vocales, llenas de gritos angustiosos, armónicos y breakdowns, hay mucho emo, pop y punk en la mentalidad de composición de los temas, pero pasados por una pared de brutalidad punzante que destruye y reconstruye todo con distorsión.

Incluso, me gustó mucho más Lemon -ese pop-rock, dance, electroacústico, taaaan raro, que solo puede ser entendida pegada de la trip hop / pop sofisticado de Body Horror for Birds para lo que se juntaron con 1st Vows (ambiente / pop), pero que me hace pensar en los singles pegados de Turnstile- y Distracted By Mona Lisa (el más claro easycore / post-hardcore) dentro del disco, aunque el punto más alto definitivamente es Tears on Lambo Leather, en que además hay deathcore y drum n bass atmosférico, extraordinario. Es un viaje por infinitas agujas caóticas que van apuntando hacia gradientes y aproximaciones del post-hardcore, desde el mathcore más extremo hasta el emo-pop, un arcoíris de genialidad monstruosa.

Como si fuera poco, este disco termina con una suite en tres partes, rematada por el tema Country Song in Reverse, de casi 12 minutos, en que incluso emulan a Björk en un coro y tienen de invitados a la extraña banda de screamo/blackgaze low before the breeze, en un tema en que hay post-rock y jazz. 

La banda:

Carson "Big Animal" Pace – vocales, Maddie “El Perro” Caffrey – guitarra, Amber “The Mind” Christman – violín, sintetizador. Jackie “Clancy” Buckalew – bajo, voces. Daniel "Dip" Hodsdon – guitarra. Matthew "Marty" Hague – batería y Rich Castillo – saxofón. 

30 años después: In The Nightside Eclipse, el debut de Emperor, banda que definió el black metal sinfónico en los 90

Un clásico del black metal melódico y sinfónico que cumple 30 años. El debut de la banda de Telemark, Noruega, que marcó el rumbo de lo que sería el black moderno, con el uso de teclados, influencias de la música clásica y con arreglos que enriquecían la propuesta inicial de trémolos, acordes menores y blast beats, aunque mantenía mucho de lo original como el shriek, la atmósfera de oscuridad mística y el sonido crudo, brutal y gélido, de baja calidad aunque altísima inspiración. Entonces el black metal era una reunión de finas artes contemporáneas que incluía maquillajes, escenografía, vestuario y locaciones. 

Musicalmente recurría a otros usos de la guitarra que no eran sólo los trémolos, los teclados eran una parte esencial aunque estaban como parte de una concepto integral y no de forma gótica ni orquestal en primer plano, sino atmosférica. Y aunque la batería era infernalmente veloz, grababa con reverb y salvaje, ya hacía unos cambios de ritmo que junto a los arreglos que hacía Ihsahn en voz, guitarra y teclados, asomaba el ingreso del metal progresivo en las composiciones. 

Un punto alto es Cosmic Keys To My Creations And Times, en que lo existencialista y cósmico se une a influencias de Mercyful Fate, que se extienden por todo el disco, como lo demuestra el cierre con una versión de Gypsy, aunque también versiones posteriores incluyeron A Fine Day To Die de Bathory, que también es coherente con los acercamientos hacia el uso de teclados. El tema cumbre es, sin embargo, I Am The Black Wyzard, en que lo sinfónico es aún más claro, con una versión operística y épica del black metal terciado por teclados y riffs melódicos.

Aunque es destacable y un clásico, creo que es inferior al sucesor, Anthems To The Welkin At Dusk. En este disco la banda estaba completada por Samoth, quien grabó guitarra y bajo en The Shadowthrone de Satyricon y la guitarra en Constellations de Arcturus y Pentagram de Gorgoroth. En el bajo estaba Terje Vik Schei, Tchort, quién salió de la banda al ser encarcelado por dos años y luego tocó en Blood Red Throne y Carpethian Forest. Ahora es parte de Green Carnation, banda de metal gótico y progresivo. Faust (Djevel) fue el encargado de grabar esas baterías, aunque en las versiones extras que versiones posteriores grabó Trym Torson (que venía de Enslaved), el bajo Jonas Alver, quien se quedó hasta el siguiente disco y los teclados de Gypsy fueron grabados por Charmand Grimloch, aka Joachim Rygg y Jy Arr, quien después de una exitosa carrera como compositor para televisión noruega, se fue para Estados Unidos, logrando componer para muy conocidas series y películas como CSY: NY y How I Meet Your Mother.

Este disco alcanza el puesto 14 en Rate Your Music para el año 1994, duro considerando que es liderado no sólo por Illmaniac de NAS sino por Dummy de Portishead, The Downward Spiral de Nine Inch Nails, The Blue Album de Weezer y otro clásico, esta vez del noise, post-hardcore y math rock, Yank Crime de 

Drive Like Jehu, mientras al mismo tiempo venció a Superunknown de Soundgarden, Hvis lyset tar oss

de Burzum y Transilvanian Hunger de Darkthrone. 

Sputnikmusic lo pone mucho más arriba, en el séptimo puesto de 1994, en este caso venciendo a Portishead y Weezer pero aún detrás de Jeff Buckley - Grace y Kyuss de Welcome To Sky Valley, aunque aún venciendo a Burzum. Un año difícil para encumbrarse en el metal extremo, pues también salieron Wildhoney de Tiamat, De Miistherys Dom Sathanas de Mayhem, Tales From The Thousand Lakes de Amorphis y Ceremony Of Opposities de Samael.

Definitivamente, 4,7 de 5 a pesar del sonido horrible de los primeros temas. En Spotify.

Vidrio, el deslumbrante debut de Titanic de Mabe Fratti y Héctor Tosta jugando con jazz, pop alternativo y experimentación sónica

Titanic es un grupo conformado por Héctor Tosta De La Rosa aka I. La Católica y la cantante y violonchelista guatemalteca Mabe Fratti, que en octubre de 2023 publicó su disco Vidrio, un viaje de art pop en que las coloridas paredes están salpicadas de jazz de vanguardia, donde juegan tanto la experimentación sónica, el noise-rock y la música académica contemporánea.

El sonido puede recordar a lo más raro del disco Revés / Yo Soy de Café Tacvba, con algo del jazz espiritual de Kamasi Washington y claros toques de pop mexicano alternativo, en los que el piano, el saxofón, el violonchello de ella y diversos instrumentos de percusión se intercambian el principal acompañamiento, en la que la voz de Mabe gobierna este imperio desconocido.

El disco tiene letras irónicas como en Cielo Falso, en la que la voz etérea me recuerda a Natalia Lafourcade y otros como Te evite, de nuevo claramente influenciados por el quinteto chilango, con una especie de folk-rock con raros sonidos de ambiente, que recuerdan a su disco más experimental.

Reinterpretándose

No es solo una forma de darle un ángulo extraño al pop y el rock mexicano. Héctor y Mabe ya habían trabajado antes. Él es su contraparte en vivo, pero también grabó guitarras, bajo y teclados en el cuarto disco solista de ella, más inserto en la electrónica, el noise y el rock, y donde también fue su productor. 

Usando los mismos músicos con el que ya se había acercado a un pop-alternativo, con toques progresivos y menos estridientes, ahora este debut está muy cerca del pop jazz, el avant-garde y la exploración de lo incidental, con un resultado peculiar: ritmo y melodía se entremezclan, con momentos en que se convierten en lo mismo, amén de un laboratorio instrumental con percusiones en escala y slaps sobre las cuerdas.

Entonces del disco solista salen también el saxofonista Jarrett Gilgore, bien afincado en la escena del free jazz y la improvisación, y Gibrán "Androide" Andrade, compositor y baterista mexicano, venido de la música hardcore, noise y rock. Una curiosidad, no hay bajo en este disco.

Lo mejor está al final, Balanza, una canción con diversas melodías vocales, mucha locura de jazz-rock, estridencias y los gritos de cada instrumento sobre una cama de alt-pop con coros repetidos y letras juguetonas, en la que la pronunciación "afrancesada" que hace Mabe de la letra R es otra caricia divertida.

El disco se puede escuchar gratis en Bandcamp acá tinangelrecords.bandcamp.com/album/vidrio

Un lingüista chino que escribe en griego antiguo es la mente maestra de Hoplites, un fino y extraordinario black/death jazz progresivo con cuatro discos en un año

Las bandas de un solo hombre están viviendo un gran momento, no sólo por su abundancia productivo sino por explorar y combinar géneros que van desde el black metal crudo hasta el post-black / shoegaze, con algo de ambient, noise y metal sinfónico. Y dentro de ese cosmos de solitarios multi-intrumentistas está Hoplites (una transliteración del griego Ὁπλίτης, verdadero nombre de la banda y que podría traaducirse al español como Soldado)

Hoplita griego

Con tres álbumes en 2023, publicados el 1° de enero, el 19 de abril y el 1° de octubre, el lingüista chino Liu Zhenyang (experto en lenguajes chino-tibetanos) exploró el black metal en combinación con el shoegaze, el death técnico y hasta el metalcore, hasta llegar al primer álbum de 2024, Παραμαινομένη (Perpetuado o Todavía estoy allí, en español) en que el se sumerge magistralmente en el black/death progresivo, incluyendo el saxofón y los pianos, los arreglos de jazz y hasta algo de electrónica, que lo acerca más a artistas como Imperial Triumphant, Aetheria Conscientia o Nullentropy.

Con sólo seis temas en 52 minutos, lo que da un promedio que supera los 8 minutos y medio por tema, la producción más reciente muestra una muy cuidada producción que permite jugar con distorsiones sucias y baterías progresivas, shrieks perversos y riffs de black metal/punk, a los que se le pueden agregar arreglos cuidadosos de instrumentación alternativa que encajan magistralmente, por supuesto, incluyendo folclóricos chinos.

A diferencia de otras bandas con obsesiones por la mitología nórdica o griega, la historia antigua y la iconografía, en Hoplites está con un dialecto del griego antiguo. Solo con el lenguaje, la gramática, la fonética, las figuras literarias. En una entrevista con Invisible Oranges Zhenyang dijo que no le interesaba la cultura o filosofía de los griegos, sino su forma de escribir y hablar. 

Y eso le dio una ventaja viviendo en China: para tocar en vivo te piden que envíes al Partido Comunista las letras de las canciones, incluso traducidas. Liu tenía miedo de lo que podían pensar, porque hace crítica social y política, pero en griego antiguo. No leyeron nada al parecer, porque le dieron el permiso. Así mismo, declaró que fundó Hoplites como un "laboratorio de riffs", alternativo a su banda Vitriolic Sage, en el cual también drenar su obsesión por los idiomas, pues él mismo habla de forma nativa mandarín y dialecto wu. Ahora vive en Francia, donde se mudó en 2022 para continuar sus estudios de maestría.

Musicalmente hay una paleta inmensa en el disco. Incluyendo el avantgarde y lo experimental, Liu explora el mathcore como complejidad compositiva, agrega interludios melódicos, apela al post-metal y al shoegaze para hacer atmósferas mientras recurre muchísimo al death jazz sofocante a lo Imperial Triumphant o Deathspell Omega, algo de hardcore punk, de doom-jazz y mucho del progresivo/electrónico de Porcupine Tree y en el fondo siempre una actitud, sonoridad o base de black metal, principal vía de comunicación del artista.

Y eso proviene de una abundancia de influencias tan gigantesca como laberíntica. En una larga entrevista con Machine Music reveló cuanta música escucha, con una extensión tan amplia como la que expresa en sus discos. Desde Trivium, revocation y Vektor pasando por las obvias de Mayhem y Emperor. Por supuestro, Vitriol (que tienen un poderoso nuevo álbum publicado el 12 de enero del 2024), pasando por Health, ZAO y varios artistas japoneses y españoles de black, death, synth-punk y hasta metalcore progresivo como The Human Abstract.

Si quieres escucharlo, gratis en Bandcamp, acá: https://hoplites.bandcamp.com/album/--8

Re de Café Tacvba, 30 años después: la obra maestra del rock latinoamericano que aún hace reflexionar y bailar

En 1994 me gradué del colegio, con apenas 16 años. Por eso años, cuando llegaba a la casa, mientras almorzaba, ponía rápidamente MTV. Entonces pasaban a Marilyn Manson, a Korn, los Unpplugged, muchísimo grunge, música electrónica, britpop, pop punk, rock alternativo y en nuestra señal: MTV Latinoamérica Norte.

Así estuve expuesto a una diversidad asombrosa de rock latino, desde programas especiales como Raizónica con los estrenos y debuts hasta la rotación fija de videos, clásicos y nuevos, como el que finalmente fue el Video MTVde La Gente de 1995: Ingrata, de Café Tacvba, en el cual Rubén Albarrán (entonces Cosme) aparecía con el cabello de rojo, con unos "cachitos" y luciendo y cantando una ranchera punk.

Así se asentó profundamente mi devoción por el rock latino que se desbordó en agrupaciones mexicanas como Café Tacvba, Maldita Vecindad, El Gran Silencio, Jumbo y Plastilina Mosh, Los Aterciopelados de Colombia y Los Pericos, Los Fabulosos Cadillacs, Fito Páez, Actitud María Marta y Todos Tus Muertos en Argentina, los chilenos de Los Tres, Los Tetas y Tiro de Gracia de Chile o Libido de Perú. 

Hace 30 años se publicó Re, producido por Gustavo Santaolalla, grabado entre Estados Unidos y México, y que la revista Rolling Stone la calificó como el mejor disco de la historia del rock latinoamericano, superando a discos de Cerati, Aterciopelados, Los Fabulosos, Os Mutantes, Babasónicos, La Maldita, Charlie y Julieta Venegas.

Realismo mágico y punk

Un disco extenso en géneros y lleno de temas ideales para ser videoclips o hits radiales. Un álbum memorable, compuesto de 20 canciones en menos de una hora, que va desde ritmos folclóricos y tropicales latinoamericanos como el mambo, el merengue dominicano y la samba mezclado con ska, punk, funk, grunge y hasta metal. Un disco en que resalta el uso de instrumentos folclóricos de cuerda como la jarana, el guitarrón y tololoche junto a multitud de instrumentos electrónicos, como el melodión (el tecladito con un tubito para soplar). 

28 años después de su lanzamiento la revista musical volvió a entrevistar a Santaolalla, quien explicó que las primeras canciones en demo le gustaron tanto, que les pidió insistentemente que hicieran más, lo que convirtió en el segundo disco de los Tacvbos en un álbum doble. Su eclecticismo, su versatilidad y su extenso universo, que también se resume en cada canción que tiene varios géneros unidos, que van desde las raíces hasta lo moderno, explora todas sus influencias. Su éxito de ventas, alrededor de 500 mil copias, lo pone a la par, conceptual y comercialmente, del White Album de The Beatles.

Después de este disco, el rock latino cambió por completo, influenció a otros, aparecieron discos de rock latino con más y diversas fusiones con géneros locales e internacionales, dando vida a una cosecha de múltiples artistas que experimentaron y jugaron, superando lo que antes era solo "rock en español". Con letras ampliamente inspiradas en la literatura latinoamericana y universal, que demuestra la intelectualidad de sus integrantes.

Las canciones

El disco empieza extraño -como fue la respuesta inicial del público mexicano- con El Aparato, una extraña crónica sobre la abducción extraterrestre de Pablo, que queda casi demente después de la experiencia, que se cuenta con instrumentación electrónica y folclórica para hacer ese juego de terrestre-extraterrestre.

Le sigue el clásico Ingrata, una ranchera punk, con una letra sexista y típicamente ranchera, fue recientemente descrita por Albarrán como producto del desconocimiento y falta de sensibilidad sobre la violencia machista. Un coro extraordinario, un himno que incluye un final con una vocalización tan heroica que se incluye la profunda respiración para terminar la infinita frase.

Le sigue El Ciclón, una de mis letras favoritas y una de las canciones más divertidas, en que se toca una especie de rap-funk con clavinete, que transmite como El Aparato, el paralelismo entre hacer una canción con un ritmo contemporáneo tocado con instrumentos antiguos o lo contrario.

Yo, flecha

Flor, polen, flecha

Abeja, oso, pez

Flecha, agua, sube, nube

Llueve, árbol, flecha

Oxigeno, flecha, pulmón

El concepto contrario parece estar en El Borrego, una confesión de alguien que dice adaptarse a la tendencia del lugar donde esté: un día es punk y al día siguiente un pacifista, le gusta lo tropical o el metal de acuerdo al circulo social en el cual esté, pero se toca con un furioso rock industrial, la antítesis de la letra.

Me gusta aventar piedras, me gusta recogerlas

Me gusta pintar bardas y después ir a lavarlas

Y en las tocadas la neta es el slam

Pero en mi casa si le meto al tropical

Le sigue otro clásico y otras de mis favoritas, el bolero Esa noche, desgarrador y cortavenas. 

Del folk se vuelve a miradas totalmente urbanas en varios temas, el primero es 24 horas, que hablan del frenesí de vivir en una gran ciudad, siempre corriendo en medio de la inmensidad, a ritmo de baterías electrónicas acompañadas de instrumentos de cuerda. Esto se recupera luego en El Metro, que con ritmos muy movidos y muchos sonidos de transporte público, parece que pasas la mayoría de tu vida yendo y viniendo, tanto que parece que nunca sales de allí y finalmente en La Pinta con algo de rock grunge, perfecto para el año de edición del disco, aunque en esta última ya no hay una nostalgia por un amor que no termina de concretarse por andar ocupado en la locura citadina.

Los temas son cortos, así que vas pasando por este collage de ritmos, colores y sensaciones a toda velocidad. En Ixtepec vuelven a combinar una perspectiva latinoamericanista, de forma más bien onírica con una melodía de instrumentos de cuerda acústicos y una base de música electrónica, arreglos midis y un coro pop, más un remate filosófico con el que se entiende este disco: todo vuelve a comenzar, volvamos a escucharlo.

Después de esta ensoñación, con la misma idea de rasgados de guitarras y algo de techno en el fondo, está Trópico de Cáncer, en que Albarrán hace las dos voces: el del empleado petrolero que decide "dejar el gris del cemento por el verdor" y el del antiguo jefe que igual humanistas e indigenistas con "retrogradistas", diciéndole que aún hay mucho qué destruir en favor del progreso. Una genialidad letrista al combinar poéticamente, y de forma ocurrente, versos que contienen palabras tan gruesas como hidrocarburos, sin sonar panfletarios sino sabrosos.

El fin de la infancia, el décimo del disco, es una canción rebelde y de actitud punk pero con música norteña, con mucho viento y ritmo bailable, que explica porqué este disco conquistó a gente como Beck -quien los invitó a una gira por todo Estados Unidos- y David Byrne -quien también se enamoró luego de Los Amigos Invisibles- que incluso podrían recordar a la banda Beirut. La canción, cantada casi de forma incomprensible por su rapidez y complejidad, invita a bailar como acto de rompimiento con los estándares culturales, como hace la canción.

Segunda parte

Aunque aún no se cubren 30 minutos, la otra "mitad" del disco empieza con la satírica Madrugal, un bolero cortísimo que tiene letras irónicas sobre la belleza de la arquitectura y el color local, según se le mire. 

Entonces tenemos la doble canción psicodélicas Pez/Verde, que empiezan y terminan de la misma forma, se reproducen inmediatamente una detrás de otras y en las letras se fusiona la historia del dolor del animal al ser capturado y su transformación material en un ciclo infinito que vuelve a empezar, como estas canciones.

Vida, tú que eres verde no me hagas tragar tu caliz

O es que quieres que encuentre la muerte

Ir allá contigo estar como aparte de ti

Manaties cocodrilos, me tragan, me procesan, me hacen de ti

Para continuar lo que es una genialidad, luego está La negrita, una samba que habla de migración con mucho sabor para pasar a la biográfica El Tatloani del Barrio, que habla de cómo se conocieron los papás del vocalista de Café Tacvba, que inevitablemente te hace pensar en crónicas latinoamericanas de realismo mágico, en que la verdad y la ficción se confunden en una región en que lo inexplicable y lo inverosímil se convierte en cotidiano, lo paranormal en común y lo extraordinario en costumbre.

A diferencia de otros discos, el final está lleno de canciones memorables, obligatorias para los conciertos y hasta para ser versionadas. Así le damos paso a Las Flores, mi canción favorita de la banda en toda su historia. Empieza como una especie de corrido/joropo que pasa rápidamente a un ska acústico que evoluciona con la letra, en que pasa el tiempo de un día y la vida, hacia electrónica psicodélica. 

Y seis veces para vivirte

Debajo de una misma Luna

Y otras nueve pasarán para

Sentir que nuevas flores nacerán

Cuando crees que puedes aflojar, viene El baile y el salón primero y El puñal y el corazón después. Primero hay una canción conocida por el coro Paparupapa eu eo (memorable en sus en vivo), suave, rítmica y que continúa con la combinación de instrumentos acústicos y bases techno, que parece ideal para el final de una película romántica (y medio punk) para luego dar rienda suelta a una canción que echa mano del bossanova, del mambo y finalmente del merengue, con un violín veloz, que te hace bailar hasta desmayar para superar el desamor ya tocado en La Ingrata, Esa Noche y El Metro.

El final no podría ser más perfecto: una canción a medio volumen, un jazz ligero, que apenas se escucha, a medio ritmo entre la balada y el swing, de menos de dos minutos sobre dos esclavos, hijos de indios y negros.

Ré es un disco basado en libros que evoca a escenas cinematográficas, que te hace bailar con folclor y ritmos latinos producido por músicos amantes del punk, del ska y del rock que presentó estos ritmos a nuevas audiencias, que conquistó corazones latinos y del mundo gracias al impulso de MTV y de críticos. Una "biblia del rock latinoamericano" que le cambió la cara a la región, al género y a las propias audiencias.

Un disco para cantar sus elaborados versos, para apreciar su instrumentación compleja y para bailar, así sea lleno de pensamientos filosóficos, pensando en injusticias sociales y deudas históricas en Latinoamérica, para bailar. Con canciones que tienen guitarras distorsionadas, mucho punk o letras enrevesadas, para bailar. A pesar de su visión ecologista, de protesta e ideológicamente de izquierda: ¡para bailar!

Los músicos

Además de Albarrán, compositor y cantante, el disco/banda está completado por Emmanuel del Real en teclados, piano, melodión, caja de ritmo, voz y coros; Joselo Rangel - guitarra acústica y eléctrica, jarana y coros y Quique Rangel - tololoche, contrabajo y guitarrón.

Entre los invitados estuvieron:

*Gustavo Santaolalla, quien además de producir el disco hizo el solo de guitarra acústica en "El baile y el salón".

* Tony Peluso (guitarrista de The Carpenters) en las pistas salvo La Pinta.

* Harry Scorzo - violín en "Esa noche" y "El puñal y el corazón"

* Roberto Hdez - banda en "El fin de la infancia" y trompeta en "La ingrata"

* Luis Conte (percusionista cubano clásico y de jazz) - percusión en "La negrita" y "El puñal y el corazón"

* Grupo Cielo y Tierra - coros en "El aparato" y "Trópico de cáncer"

* Ramón Stagnaro, solista peruano - requinto en "Madrugal"

* James Mason - saxofón en "El puñal y el corazón"

* Renee Grizell - flauta en "El ciclón", "Verde" y "El puñal y el corazón"

* Melissa Hassin - chelo en "El ciclón" y "Verde"

Con Fall, su doceavo disco en 28 años, Borknagar alcanza su punto más alto de progresividad en su black/folk épico

Borknagar es uno de los grandes nombres del metal extremo noruego. Combinando black metal melódico con metal progresivo y folk metal, se establecieron junto a bandas como Ulver y Arcturus en un ángulo avantgarde que los acercaba a bandas como Opeth, así como en su evolución, restando extremismo para adentrarse en una combinación de rock/metal progresivo.

Así que aunque nacieron de mano de músicos de Immortal y Gorgoroth, el alma de la banda siempre ha sido el guitarrista Øystein Garnes Brun, que compuso siempre desde la base de las dobles armonías con distintas distorsiones, para provocar ese raro efecto de bella oscuridad, aderezada con interludios en que podía haber guitarras acústicas o lentos y elegantes arpegios con acordes menores en distorsión metalera.

Al mismo tiempo, Borknagar es sinónimo de una poderosa vocalización de voces épicas y operáticas junto a agrios shrieks de ultratumba. Ese balance vocal se fue inclinando hacia las voces líricas con el tiempo, desde el debut de 1996 con la participación de cantantes como Garm (Kristoffer Rygg), ICS Vortex, Lazare y Vintersorg se escuchan en distintos álbumes, con el epítome de del tema Winter Thrice del disco del mismo nombre, en la que cantan los cuatro.

Es que a pesar de los cambios de integrantes, en Borknagar siempre se escucha ese juego de capas de guitarras que construían las melodías con ambivalencias sónicas, que era siempre bello e invernal, oscuro pero progresivo. La marca se completaba con una batería metalera y rápida, grabada con mucha reverberación, lo que la hacía sonar a medio camino entre lo tribal y lo cinemático, e incisos de teclados setentosos que añadía otro piso a esa sensación de escuchar algo entre el metal extremo y el rock progresivo al unísono.

En Fall, a pesar de la presencia de todos estos elementos oscuros, parece que por primera vez hay una mayor inclinación hacia lo atmosférico, con un efecto más diluido. Aunque hay canciones con muchos shrieks, acordes menores y percusión poderosa, que recuerdan a sus primeros álbumes, en el balance general parece que se abren más espacios para un rock/metal progresivo que para el death/black progresivo. Fall recuerda más al Sky Void Of Stars de Katatonia y menos al IX Equilibrium de Emperor.

También se siente que las melodías vocales, a pesar de la presencia de Lazare y ICS Vortex, aunque siguen siendo frontales y con largas momentos, hay una concentración mayor en las voces limpias a pesar del protagonismo de shrieks de Vortex en temas como Unraveling y en otros como Moon, con más preponderancia hacia las limpias de Lazare, es inevitable oír un mayor foco de la producción en resaltar la complejidad instrumental mientras cantan, mientras al mismo tiempo está en el fondo en lugar de la usual amalgama de melodía y oscuridad. 

Ahora, que no se malinterprete, es un discazo, bien producido, majestuoso y con todo lo que nos gustan de estos noruegos, pero menos espectacular y frontal que otros. Adolece de la emocionalidad de Quintessence, mi disco favorito de Borknagar, en que parecía que escuchabas una ópera punk progresiva llena de complejidades y contradicciones que se complementaban con los raros efectos psicodélicos.

En este disco el quinteto está compuesto por Garnes Brun en guitarras y composición; Lars Are Nedland -Lazare- en voces y teclado (Solefald, Black Vouid/White Void) en su noveno disco con la banda y ICS Vortex (Arcturus, ex-Dimmu Borgir) en bajo y voces limpias y guturales, en su sexto disco con la agrupación, con los más nuevos Bjørn Dugstad Rønnow (Trollfest), agregando una nueva dimensión percusiva con su experiencia en bandas de metal extremo sinfónico, técnico y/o sinfónico y Jostein Thomassen -Pendragon- (Black Void) en la segunda guitarra. Tanto Dugstad como Thomassen, ahora en su segundo álbum con Borkangar, comparten en la bandas de sinfónico extremo Profane Burial y Viper Solfia.

Con ocho canciones en 54 minutos, tiene tres que superan los ocho minutos, que no se sienten extenuantes sino precisos para el desarrollo de las ideas de cada tema. Borknagar podría estar mostrando una madurez, que sólo un par de años podrá calificar de positiva o negativa, después del True North, en que le dieron mucho menos espacio a sus raíces más extremas.

Escúchalo, gratis, en Bandcamp acá: https://centurymedia.bandcamp.com/album/fall-24-bit-hd-audio

Mis discos favoritos de 2024: Slift le mete combustible nuclear a su space rock progresivo al agregar sludge, doom, kautrock, psicodelia y stoner en Ilion

Los mejores artistas te recuerdan a otros, recuerdo haberle leído en una entrevista. Esa frase encajaba perfectamente en la forma en que entendía la música y aún lo hago. Cada disco, cada banda, te debería llevar a sus influencias, aunque a veces estas son tan difíciles de escuchar o increíbles de conocer. En otros casos uno se maravilla reconocer las raíces de lo viejo y encontrar el ángulo novedoso, lo parecido y lo diametralmente diferente, sabiendo que hay genialidad en "copiar" o unir ingredientes disímiles o de formas novedosas. Fórmulas conocidas aparte, Slift hace justamente esto con media docenas de géneros o más en Ilion, su disco 2024 tras su disco de 2020, Ummon y el debut de 2018, La Planète Inexplorée.

Estos franceses, venidos de Toulouse, son kautrock y rock progresivo, a la que le añaden doom, stoner metal, space rock, psicodelia, sludge y hasta algo de garage rock. El resultado es una mezcla de música expansiva y progresivo detallista, es psicodelia guitarrera y metal cósmico. Digamos que toma las raíces de todo esto para agregarle energía nuclear para cruzar el cosmos a velocidad warp.

Así este disco es Mastodon tanto como es Intronaut, es Oranssi Pazuzu y Ved Buens Ende pero también Hawkind, King Crimson y Black Sabbath, mientras tienen una filosofía minimalista y modernizante como la de Muse. Algo que me gusta muchísimo, es que es siendo blues y psicodelia de los 70 no le huyen a usar voces furiosas y gritadas, baterías trepidantes y una pared de fuzz en sus riffs.

Porque todo este sonido, con canciones larguísimas de 9 minutos en promedio, de renovación y explosividad, es tocado por un trío, más unos pocos invitados jazzistas que agregan vientos, pero son dos hermanos y un amigo quienes conforman el núcleo duro de producción lisérgica e iluminada que sale en una nave espacial que recorre galaxias, células y laberintos psíquicos.

Entonces Slift viaja, nunca mejor dicho, desde el virtuosismo de los arreglos progresivos más complicados y minimalistas hasta la densa atmósfera del space rock, con saxofón y distorsión, mientras van echando mano de todos los demás colores. En cada canción son el ácido, el desierto, la astronomía y la meditación, pero también son ciencia ficción espacial, exploración neuronal y algo de oscuridad metalera, con un toque de garage, art rock e incluso punk, que los hace separarse de los bandas llenas de músicos con largas barbas grises y lúgubres.

¿Hasta dónde es positivo que un disco nos haga pensar en otros artistas? Cuando escucho Ilion, quiero terminar para escuchar Jimmy Hendrix tanto como Primitive Man, sumergirme en Nachmystium, Magma o Radiohead, quiero más de todo lo que conseguí aquí, todo lo que me recordó. Ilion tiene lo que todos ellos no tienen: son más pesados que el stoner tradicional, son psicodélicos cuando el bajo gobierna con sus líneas un mundo muy progresivo, y con muchas capas de guitarra son punk y art rock sin ser electrónicos ni extremos.

Con casi 80 minutos en ocho canciones, sus letras y títulos son evocadores como The Words That Have Never Been Heard y The Words That Have Never Been Heard, ambas superando los 12 minutos de duración. 

Slift está conformado por los hermanos Jean y Rémi Fossat en guitarra / sintetizador / voz y bajo / voz respectivamente, con Canek Flores en la batería y percusión (vibráfono y sintetizador). Además, están de invitados Etienne Jaumet en el saxo y sintetizador, Olivier Cussac en el sintetizador y la cantante Clemence Lagier para meterle voces femeninas angelicales.

Un detallazo importante es que este disco, como un single anterior de este mismo 2024 con los temas Unseen / The Real Unseen, de apenas 4 minutos cada uno, salen con la mítica discográfica que creó el "sonido de Seattle" Sub Pop, mucho más conocidos por editar Bleach de Nirvana. Aunque ahora tienen un roster de bandas mucho más amplio, están en el negocio de descubrir nuevos exponentes de géneros alternativos.

Para viajar al espacio interior en esta nave espacial de psicodelia doom, puedes escuchar Ilion de Slift gratis en Bandcamp, acá: https://slift.bandcamp.com/album/ilion

¿Quienes son Boygenius, el súper grupo indie femenino que no tocará más y ganó tres Grammys con su disco debut (y uno más de Phoebe Bridgers como solista)?

Boygenius, y su disco debut the record (sí, en minúsculas), ganaron tres Grammys en la ceremonia celebrada el 4 de febrero de 2024. La canción "Not Strong Enough" se alzó como mejor canción rock y mejor performance rock, mientras el álbum ganó como mejor disco de música alternativa.

Eso significa haber vencido a gigantes del género como Rolling Stones, Queens of the Stone Age y Foo Fighters y Metallica, pero también a otras alternativas femeninas como Olivia Rodrigo y Lana Del Rey, e incluso a grandes exponentes de la música alternativa como Arctic Monkeys, Gorillaz, Black Pumas o PJ Harvey.

Como si fuera poco, una de las integrantes de boygenius (sí, en minúsculas) Phoebe Bridgers, con una extensa carrera como colaboradora e invitada de muchos artistas, también ganó su primer Grammy como artista solitaria en la categboría Mejor Performance como Dúo o Grupo Pop con la canción que hizo junto a la artista  SZA “Ghost In The Machine”. SZA también ganó en solitario mejor canción de R&B.

Tuvo otras cuatro nominaciones: mejor disco de rock, en que Metallica la alzó con su 72 Seasons; Grabación del Año y Disco del Año, que ganaron respectivamente Miley Cyrus con Flowers y Taylor Swift con Midnights, y también Disco con mejor diseño de sonido, no clásico: que ganó Jaguar II, el debut de la cantante de R&B, Victoria Monet.

boygenius

Un supergrupo indie conformado por Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker que editaron su EP debut, homónimo, en 2018 y debutaron en 2023 con su larga duración, the record, de 12 canciones. Algunos podrán reconocerlo como la banda que interpreta "Roses/Lotus/Violet/Iris" de la cantante Hayley Williams, de Paramore.

Irónicamente, el 2 de febrero, al finalizar un show secreto y menos de 48 horas antes de ganar los tres Grammy, el trío anunció una pausa "por el futuro previsible" del grupo y en la última canción dijeron: "no más".

Similares declaraciones dieron cuando ganaron el premio premio de la noche como banda, Mejor Performance de Rock. "Oh, Dios mío, quiero vomitar" dijo Dacus frente al micrófono, con las tres vistiendo elegantes trajes blancos. "Esto es irreal, gracias". Luego Baker dijo "La música salvó mi vida, cualquiera puede estar en una banda".

El disco, que va de lo indie folk al indie pop, con mucha música acústica y muy suaves atmósferas shoegaze, tiene sus mejor momentos en la canción premiada, Not Strong Enough (con arreglos electrónicos y sonidos country) y el tema Satanist (el más rockero). Llamada "clásico instantáneo" por la revista musical NME, también logró meterse en las listas de Reino Unido, Irlanda y Holanda, así como el puesto 4 en la Lista Billboard 200 de Estados Unidos.

¿Quienes han ganado Mejor Disco de Música Alternativa? Wet Leg en 2023, St. Vincent en 2022 (segundo premio), Fiona Apple en 2021 y Vampire Weekend en 2020 (segundo premio). Esta categoría ha sido ganada tres veces por Beck, Radiohead (ambos nominados 8 veces y sólo superados por Björk con 9), y The White Stripes.

Esto para hacerse una idea de lo que significa meterse en este grupo, mientras al mismo tiempo tiene éxito de ventas.

Cuatro de los temas fueron escritos por las tres, mientras el resto son temas compuestas individualmente por cada una de las integrantes. En la canción Leonard Cohen, comparten créditos con el cantautor canadiense por que incluyeron extractos de su canción "Anthem" y que compusieron junto a HoJun Yu, mientras que Cool About It lo hicieron junto a Paul Simon, del dúo Simon & Garfunkel.

Integrantes:

* Julien Baker, que toca banjo, guitarra, bajo, teclados y guitarra, entre otros instrumentos, tiene tres discos solistas, y ha colaborado entre muchos otros con Paramore así como las bandas de post-hardcore y punk hardcore Turnstile y Fuck Up.

* La guitarrista y cantante Lucy Dacus, también con tres discos solistas.

* Phoebe Bridgers, cantante, bajista y guitarrista, tiene muy amplia carrera como colaboradora. Con dos discos solistas y uno de folk rock con Better Oblivion Community Center, ha grabado canciones con The 1975, Taylor Swift, Paul Mcartney, The National, The Killers, Lorde y claro, SZA. También hizo una versión de "Nothing Else Matters" de Metallica para el compilado oficial de versiones. También ha tocado en vivo con Sloppy Jane.

Varios otros músicos que estuvieron en la grabación de the record como Carla Azar, Jacob Blizard, Anna Butterss, Barbara Gruska, Rob Moose, Sebastian Steinberg y Marshall Vore mientras contaron con producción adicional, además de la propia, de Tony Berg mientras que Catherine Marks, Ethan Gruska, Melina Duterte y Sarah Tudzin fueron músicos y co-productores.

Puedes escuchar the record, gratis, en Bandcamp, acá https://xboygeniusx.bandcamp.com/album/the-record

Reseña TV: Berlín, una tempestad de relaciones amorosas para concretar un nuevo súper robo

Antes de acabar con el año 2023 aparecieron los capítulos de la serie Berlín, basada en el entrañable estafador que muere detrás de una ametralladora en La Casa de Papel. Andrés de Fonollosa, hermano de El Profesor, reaparecía ante nuestras retinas para contar cómo acumuló experiencia de estafador y mente maestra, en un pasado glorioso en que no iba a morir prontamente.

Con la excusa de otro robo imposible, esta vez a una casa de subastas, vemos a Andrés / Berlín juntar un nuevo equipo que unía habilidades disímiles, físicas, técnicas e intelectuales, a partir de su unión con otro viejo amigo de andanzas -como luego vimos a Palermo- y una narrativa similar: algunos de los trucos para lograr la misión se entendería como un rompecabezas asíncrono se contarían después pero habían pasado antes, parte del engaño implicaba simular errores y habría secretos que no todos los integrantes conocerían.

Aún así, la serie es deficiente en mostrar la emoción de películas como Ocean´s Eleven o la propia serie inicial. Es decir, este spin-off no cumplió, ni mucho menos superó expectativas como hiciera Better Call Saul con Breaking Bad. Sin embargo, hay mucho rescatable. Principalmente la actuación del protagonista Pedro Alonso (nuevo amor de los venezolanos al revelar que su papá vivió 18 años en la Tierra de Gracia, entre Margarita y Caracas). Su seseo seductor, su mirada picaresca, su vibra de encantador de serpiente, es totalmente majestuosa. Nos vende Herbalife, una estafa piramidal, joyas falsas y bitcoins con el encanta necesario. Y uno estafado y robado, feliz de la vida de haberlo conocido.

Por otro lado, aunque es una serie que muestra bastantes defectos narrativos en lo que debería ser su principal leit motiv, el gran robo que se cometerá, se desborda en escenas amorosas que logra conquistar de forma inesperada la atención y la respiración. Y es que Berlín no trata sólo de encontrar el romance eterno, el matrimonio feliz o el enamoramiento candoroso. 

La serie habla de relaciones humanas: amor de amigos, rompimientos por infidelidad, las dudas propias de las relaciones poliamorosas, abiertas o libres y lo que puede surgir ardientemente, como el verano, y se disipa inevitablemente, como la nieve, sin culpas, remordimientos ni reclamos. Es decir, hay pasión que puede parecer amor y amor que se nutre de lo sexual pero que realmente tiene corazón y mariposas estomacales.

Entonces, la serie desilusiona con sus imprecisiones históricas y técnicas, pero muestra París de manera hermosa. Tiene dúos espléndidos y quizás, si tenemos paciencia, nuevas estrellas de la pantalla streaming.

Un detallito hermoso: escuchar tan buen francés en actores españoles, rompiendo el estereotipo de que no hablan inglés ni ningún otro idioma.

Además, la serie cuenta con la mexicana Samantha Siqueiros (Vikki RPM, Señora Acero); Tristán Ulloa (español-francés que he visto en las películas Abre los ojos; Lucía y el sexo; Maroa (venezolana); y en Narcos de Netflix); Michelle Jenner; Begoña Vargas (Paquita Salas; Altamar, ambas en Netflix); Julio Peña Fernández; Joel Sánchez y María Isabel Rodríguez.

Y aunque no conocíamos a estos personajes en la serie original, es inevitable hacer un pequeño guiño histórico, con la aparición de Lisboa, antes de serlo, en Itziar Ituño como Raquel Murillo y la extraordinaria Najwa Nimri (Vis a vis, Sagrada Familia) como la implacable Alicia Sierra Montes y Belén López (Mar de Plástico).

Está conformada por ocho capítulos, una puntuación de 7/10 en IMDB y acá puedes verla en Netflix.

La verdad esperaba más referencias a La Casa de Papel y un robo mucho más elaborado pero terminé conforme. La recomendaría pero advirtiendo las diferencias.

Acá puedes leer también mi reseña: ¿Quién mató a Sara? - Sensual, misteriosa y adictiva serie en Netflix

Reseña TV: Griselda en Netflix, que Sofía Vergara sea narco pero no tan narco, sino emprendedora, buena madre y sexy, pero también narco

Transumanza - Dawn Of A Dark Age: un disco de black metal avantgarde con clarinete dedicado al Patrimonio Inmaterial de la transhumancia, una práctica ancestral del pastoreo de ovejas

¿Escuchas el clarinete? Esa es una expresión común tanto en el jazz como en el metal avant-garde e incluso en música electrónica o rock experimental. Cada vez es más común la fusión no sólo con folk, jazz o world-music sino que sean los instrumentos medievales, vintage, en desuso, especialmente fabricados por el artista o tradicionales los que dejen de ser acompañantes, sazonadores o complementarios para tomar el rol principal.

Así es el nuevo disco (diciembre de 2023) de Dawn Of A Dark Age, una agrupación italiana alrededor del clarinetista clásico y jazzista Vittorio Sabelli, nacido hace 49 años en Agnone, provincia de Isernia, en Molise, al sur de Italia. 

La transhumancia 

Un disco dedicado a una practica tan ancestral como actual, el pastoreo de ovejas en los campos italianos. De esta forma, lo antiguo y lo actual, la soledad pacífica que permite la meditación se une con una tradición que puede ser reinterpretada musicalmente bebiendo por igual de Opeth y Dissection como de los más experimentales músicos contemporáneos, tanto de la música académica como del jazz fusión, de lo medieval y de lo contemporáneo.

Así las voces femeninas angelicales, las furiosas descargas de black metal tradicional y el protagonismo del clarinete y del clarinete bajo (que parece más un trombón), la presencia del organetto (un acordión italiano medieval) son intérpretes de algo tan huraño como necesario: carne, lana, ruralidad.

El disco, Transumanza, el octavo de su historia pero el que le ha valido reconocimiento como compositor de black metal avantgarde de calidad, está compuesto por siete temas, con una duración de 43 minutos. Las referencias inmediatas, debido a las fusiones, cambios de ritmos, innovaciones y rarezas van por los lados de Dødheimsgard, Vehemence y Æthĕrĭa Conscĭentĭa, en que el space rock, el black metal, la música medieval, la electrónica y el saxofón jazz son parte de sus elementos centrales, no adornos ni añadidos exóticos.

Por más extraño que parezca, es un disco de metal extremo dedicado a la transhumancia, un tipo de pastoreo en movimiento que se adapta al entorno cambiante por las estaciones, afectado por los propios animales y los propios ciclos de la vegetación. Se calcula que hay 150 millones de personas involucradas en esta práctica, que en diciembre de 2023, el mismo mes de edición de este disco, la trashumancia estacional fue declarada por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por “contribuir a la inclusión social, al fortalecimiento de la identidad cultural y a los lazos entre familias, comunidades y territorios” después de una candidatura internacional presentada por España, que también se practica en Albania, Andorra, Croacia, Francia, Luxemburgo y Rumanía y se suma así, al reconocimiento que ya disfrutaba en Austria, Grecia e Italia desde 2019.

La música

El disco abre con La scasata (La subida). Una voz rasposa describe el pastoreo sobre una guitarra acústica y algo de clarinete. Puedes pensar en Haggard, quizás en alguna balada de los últimos discos de Therion. Algo del gothic metal de principio de los 90. 

"En el mes de septiembre, el descenso de la montaña está lleno de melancolía. Los picos se vuelven blancos y los animales están inquietos. Sintiendo la falta de hospitalidad de la montaña. El día antes de la subida, los pastores preparan la bolsa. Consiguen el último escaso salario del jefe. Y antes de registrar el rebaño se hace un inventario".

Con Trasumante, un tema que supera los 10 minutos, escuchamos las primeras guitarras distorsionadas y voces femeninas, así como los primeros shrieks y algo de riffs de death metal melódico, que sólo al final del tema deriva en una variación de los mismos elementos en furioso y veloz black metal, en la que los blast beats bestiales son acompañados de clarinete.

Después de la brevísima Preghiera pagana (dell'abbandono) [Oración pagana (de abandono)], de apenas 34 segundos, empieza Il gran tratturo magno (La gran pista de las ovejas) en que podemos escuchar metal extremo avantgarde, que puede recordar a Thy Catafalque, Solefald o el último Emperor, tanto como a El vuelo del moscardón, con el clarinete jugando con velocidad metalera y los shrieks tratando de imitar al instrumento, lo que es retomado para finalizar, repitiendo la reversión con blast beats y acordes menores.

El disco empieza a adquirir mayores intervenciones de folclor medieval, sonoridades góticas y black metal contemporáneo en un marco que recuerda tanto al rock progresivo psicodélico como a la fusión world-music y algo de Mayhem, de nuevo, con el clarinete como instrumento líder y los tropos del jazz fusión en la composición. Puede haber guitarras afiladas, bajo estruendoso y una batería apocalíptica pero la composición se asemeja más a los proyectos no-metaleros de su líder.

Cantico tra cielo e mar (Canción entre el cielo y el mar) invoca a la música menos metálica de Sylvaine y Myrkur, para luego explotar en I regi tratturi (Yo gobernaba los tractores) en que el disco vuelve a ser black metal perverso y raudo, con mucho clarinete jazz, arreglos tribales y algo de psicodelia. Me hace pensar también en elementos de innovación en la oscuridad de bandas noruegas como Dimmu Borgir y Arcturus, sin evitar escuchar también influencias de Mortiis.

El disco representa para mí un momento extraordinario de la música extrema experimental, en que los discos conceptuales basados en tradicionales rurales y la orquestación europea se unen con ideas foráneas, reinterpretando el black metal desde un punto de vista que hace pensar que no existe rock sin jazz, que no existe la música nórdica sin la americana, y que esta es producto de la fusión de lo indígena con lo africano. Un eterno retorno.

Por eso una misma melodía es repetida, con distintas variantes en todo el disco. Invocando tanto la idea de la improvisación del jazz y de la composición de la ópera sino también del coro de la canción tradicional, heredada y enseñada sin autor conocido ni compositor claro. El disco resume, incesantemente, que Vittorio quiere que coexistan los universos temporales, tal como en la trashumancia: las estaciones cambian pero se repiten, se acaban pero volverán y de nuevo, similar pero diferente, en perenne rotación, la existencia se renueva con los ciclos repetidos.

El disco cierra con Preghiera pagana (Del ritorno) [Oración pagana (del regreso)] en que se reafirma el concepto musical y lírico descrito, que recuerda a las obras universales sobre las cuatro estaciones, a la trascendencia y a la reinvención dentro de la tradición. Un disco salvaje, profundo, intelectual, poderoso y esencialmente, hermoso. 

Vittorio

Con experiencia tocando en agrupaciones de jazz, colaborando con bandas de metal como el proyecto austriaco de pagan black metal de un solo hombre Rauhnåcht y las banda italianas de death/black Veratrum y de doom/black Ponte del Diavolo, es también miembro de la banda de black metal experimental Incatvm, fundada en 2022 junto al baterista Diego Tasciotti, también en Dawn of A Dar Age. Vittorio allí toca también la guitarra, el saxofón y el piano. 

Además, hace arreglos para la banda francesa de dark folk Wÿntër Ärvń y tiene un proyecto propio llamado A.M.E.N., en el que mezclando doom, death, black y jazz de vanguardia, con letras de Aleister Crowley, hace una música extraña y misteriosa.

Algo bien extraño es que el vocalista principal del disco, Emanuele Prandoni, tiene una larguísima carrera como baterista en varias bandas de black metal atmosférico. Salvo en su proyecto personal black metal / ambient, Anamnesi (Reminiscencia en griego). 

La voz femenina, siempre angelical y perfecta, es de la soprano, compositora e intérprete de instrumentos de viento, Alessandra Santovito. Ella es la mitad del dúo de música neoclásica Gothica, la mitad del dúo de música clásica moderna / neofolk Hexperos y parte del Ensemble Stella Nova, de música medieval y antigua.

Mattia Milizia se encargó del bombardino o eufonio, parecido al trombón, tuba o saxofón. El francés Sparda hace los coros, así como en varias bandas de black metal del país galo, incluyendo Vehemence y el otro proyecto de Vittorio, Incantvm. 

Geoffroy Dell'Aria se encarga de la zampogna, una gaita del sur de Italia. A él lo reconoces por ser el encargado de la gaita escocesa de Cruachan, Paydretz y Les Bâtards du Nord. Otros invitados destacados incluyen la violinista Vittoria Nagni, en vivo para Saor, el contrabajista de jazz Graziano Brufani (también en Incantvm) y el percusionista de jazz Marco Molino, quien se encarga de la marimba en Incantvm, en Hexperos y en otro proyecto de jazz con Vittorio llamado Chorando Brazil.

Completan el combo con las voces corales de Nicole Massanisso, Angel Malak y Gianluigi Dezzi, así como la de los vocalistas de metal extremo, Alessandro Sforza y Marco Liazza. 

Para escuchar completo esta alabanza al pastoreo, en italiano, con clarinete medieval y metal oscurísimo, gratis en Bandcamp, acá: https://dawnofadarkage.bandcamp.com/album/transumanza

Dookie de Green Day, 30 años después: cuando el rock volvió a ser divertido, en la década del grunge, convirtiéndose en pop-punk

Si el grunge acabó con las fortunas y las limosinas del glam rock con sus mallas, sus lacas de cabello y el spandex de tigre, la llegada del pop-punk -que en Venezuela se conoció inicialmente "neo-punk"- entró en MTV para decirle al mundo que el rock podría otra vez divertido, adolescente y desordenado, así como comercialmente rentable, sin necesariamente ser depresivo e intenso. Adiós a los cabellos largos y las camisetas de leñadores, acá vinimos a prender la fiesta con guitarras.

En los años en que Kurt Cobain, Billy Corgan, Chris Cornell y Eddie Vedder eran los reyes de un mundo sombrío, un trío de punketos de entre 20 y 21 años, Billy Joe Armstrong, Tré Cool y Mike Dirnt, con entre 20 y 21 años, publicaban un disco de "punk comercial" que el 1° de febrero de 2023 cumple 30 años de editado, recordándose como uno de los creadores del pop-punk, que tantas alegrías radiales nos ha dado, como el regreso de Blink 192 ha demostrado.

Un año, 1994, en el que también salieron discos de Frank Black, Pavement, Stereolab y Brainiac, que usando feedbacks de guitarra, herencia del post-punk y el noise e instrumentos vintage, rompían las estructuras del rock para presentar los primeros pasos de lo que sería el post-rock, el indie y el alternativo, delicia de los melómanos cultos y los críticos de música, mientras del otro lado del océano, bandas como Blur, Suede y Oasis se preparaban para comandar el tsunami comercial del britpop para dejarnos en el camino la grandeza inigualable e inalcanzable de Radiohead.

Es además el mismo año del Re de Café Tacuba, del Dummy de Portishead y de The Downward Spiral de Nine Inch Naisl. Los años 90, donde se perdieron las fronteras era el rock, la electrónica, el rap y el folclor, y aunque fue una década de oro para el metal extremo, especialmente el europeo, se borraban las barreras entre el metal y lo alternativo con la incursión de Alice In Chains, Deftones y Korn.

Cambio de era

En 1994 también murió Kurt Cobain.Y salía Dookie, con sus referencias gráficas en la portada a AC/DC y Black Sabbath, con letras de desamor, exploración sexual y sarcasmo, sin las disertaciones psicológicas del emo, ni el ocultismo del metal, sino con música que recordaba a Ramones y Sex Pistols desde una visión más melódica y accesible, totalmente californiana, que puso en boca de todos la palabra punk, para algunos una reliquia de la oposición a lo comercial, la industria musical y la promoción en medios de comunicación mientras para otro una palabra cool que jamás había escuchado. Ponme la pulsera de puyitas, por favor.

Y es que el video de Basket Case, grabado en una hospital mental abandonado, mostrando a un trío de jóvenes claramente punk pero capaces de producir una pieza de promoción que rotara en MTV, era la contradicción más odiosa y deliciosa. ¡Yo quiero esos pantalones de cuadritos!

Porque a pesar de las críticas de quienes los llamaron vendidos (como hicieron con Metallica cuando grabaron el video de One y ni hablar del "disco negro"), Dookie fue un éxito mundial, vendiendo más de 20 millones de discos. Estamos hablando que vendieron más el debut de Britney Spears y que The Score de The Fugees.

Dookie fue un éxito de ventas primero, y cultural poco tiempo después, pues abrió la puerta a una nueva generación de bandas que criados en el punk y el hardcore encontraban un canal de expresión más melódico y accesible sin perder total contacto con sus orígenes. Las ideas de Ramones estaban allí. Junto al disco Smash de The Offspring, que salió solo dos meses después, le abrían la puerta a Blink 182, Sum 41o Fall Out Boy, punketos que prendían la fiesta y tocaban riéndose, no llorando. Sin hablar de los premios y galardones acumulados, estar en todas las listas de mejores discos de punk, de la década y de la historia.

La música

El tercer disco de Green Day se grabó con más calma que los dos anteriores, éxitos del underground, que los llevó a que las disqueras grandes se pelearan por ellos. Y aunque Billie contó que las voces las grabó en muy poco tiempo, con los instrumentos por fin pudieron tomarse su tiempo, una diferencia que hizo que los riffs de cuatro acordes del punk sonaran bien, acoplados con los demás instrumentos y en tiempo. Digerible con distorsión ¡y diversión!

Porque con Green Day no sólo hablamos de un power-trío que suena más que la suma de los elementos, sino al contrario, le hacen honor a su estructura. Las baterías de Tré Cool, con un marcado golpe de redoblante, pequeños micro-solos a punta de golpes de toms (especialmente en Burnout y She) nos devolvían las ganas de hacer baterías en el aire porque había un tipo joven, desaliñado y cabello revoltoso que tocaba con precisión y energía, porque indudablemente aprendió a tocar sacando temas de reggae y ska.

Por otro lado, no podemos entender Dookie sin el sonido de un bajo perennemente presente, marcando melodía y a veces liderando, con un Mike Dirnt (Michael Ryan Pritchard) protagonista, una especie de Flea punketo. Juntos son una dupla que marca el sonido de Green Day desde entonces: una sección rítmica que ofrece melodía y compañía marcando una alegría potente.

Del otro lado, hay una guitarra que se escucha diáfana y rasgada al tiempo, acompañada por una voz que intenta hacer lo que Billie Joe hace con la definición del "power pop": la mejor música sobre la Tierra que no le gusta a nadie. Gritarte versos que podrían ser una balada y medir fuerzas antes que se desgarre la voz en tonos erráticos.

Y lo sabemos porque vimos muchos videos de Green Day, que se presentó en muchos programas de televisión, por que los vimos con sus cabellos de colores y pinchitos, sin elevadas crestas punks, su ropa alternativa pero sin los ganchos de bebé en las orejas, eran más ska que hardcore. Aún así, Billie se partía el brazo, babeaba y cantaba con su cabeza ladeada y la guitarra casi en el piso, mientras Mike mostraba que su bajo sonaba atronadoramente mientras tocaba con una pericia impresionante, que era apenas superada por la loca actitud de Tré Cool detrás de platillos y tambores, brincando y haciendo piruetas de forma histriónica.

Era punk, bien tocado, novedoso y al mismo tiempo, un recordatorio traicionero pero hábil de las raíces. Dookie fue un puente, que conectó los pubs ingleses con la energía transformadora estadounidense, que pasó por encima o por un lado del grunge y fue una autopista para mucho de lo escucharíamos en esa década maravillosa de los noventa, la mejor de la historia musical en mi corazón.

En retrospectiva

Lo que ahora parece ser un revival de apreciación por los sonidos y melodías de los 80 en el rock progresivo, o la mirada neo-soul y jazz en el pop y el hip hop, lo estaba haciendo Green Day hace 30 años, recordando el encanto de Beatles y Beach Boys desde un punto de vista punk. Anarquía en Los Ángeles.

Ciertamente, también estaban acudiendo al Zeitgeist de la década pero no bebiendo de The Velvet Underground, incluyendo teclados Moog o haciendo homenaje a The Melvins, sino escribiendo canciones personales, digeribles y divertidas, con humor negro y desfachatez, con los instrumentos de siempre, llevando el sonido subterráneo del punk a la producción discográfica comercial.

Los singles no podrían haber sido mejores, Longview primero (el mismo día del lanzamiento del disco), Basket Case después, Welcome to Paradise (sin video sino sólo radio en Estados Unidos y regrabada del disco anterior) y When I Come Around para finalizar. En lugar de hablar de canciones más débiles o menos logradas en este disco, que no es conceptual ni ópera rock, las menos extensas son complementos necesarios para entenderlo como pieza cultural e incluso interludios, con las excepciones de la genial In The End, para escuchar sin parar una y otra vez, así como la extraña y cómica All By Myself, la única escrita por Tré Cool, un tema escondido para cerrar el disco cuando veíamos los numeritos del CD retroceder y que se volvieron un extra obligatorio en esos albores de la música digitalizada.

También puedes leer mi reseña de Re de Café Tacvba, que también cumplió 30 años este 2024.

93696 de Liturgy: la ópera-cyber-black-math metal filosófico que deslumbra con música extrema brillante y litúrgica

93696 es retador, absolutamente. Tanto para descifrar todos sus detalles, como para comprenderlo y más aún para reseñarlo, porque requiere saber mucho de música. No es algo digerible, sencillo o simplemente innovador.

Hace cuatro años escribí muy concienzudamente sobre su disco H.A.Q.Q. que yo apenas descubría a pesar de ser su cuarta placa. Y es que los ojos y oídos del mundo se posaron sobre esta banda que algunos clasificaron con sorna como "black metal hipster" porque presentaba una visión muy poco ortodoxa del género nórdico, con letras y una propuesta artística desde la disertación filosófica, la trascendencia existencial e incluso la meditación litúrgica.

La reseña de ese disco que mezcla sonidos de computadoras, math metal, aullidos de banshee, música clásica y experimental, algo de noise e instrumentos rarísimos lo pueden leer acá, por si quieren saber más antes de conocer lo que podría ser uno de los mejores álbumes de 2023.

En este nueva producción el cuarteto de Nueva York, liderados por Haela Ravenna Hunt-Hendrix, quien hizo la transición a mujer en estos pasados cuatro años, como para deleitar a los conservadores y puritanos que critican su propuesta, vuelve a echar mano de ideas similares a las de Lingua Ignota, Elend, Zeal & Ardor y Deafhaven para mezclar pianos, coros infantiles y poderosas baterías veloces con distorsionados riffs de guitarra de notas mayores y brillantes, disonancias frenéticas y efectos sonoros de falla de memoria de tu computadora. Es difícil precisar si es black metal experimental, mathcore de vanguardia o música académica contemporánea.

Lo épico y lo extraño se unen entonces con tropos del metal extremo, con arreglos que usan tiempos imposibles, cambios insólitos y mucha distorsión del mathcore. Los temas van de lo angelical a lo bestial pero bañados en una luz perenne y una agria voz dolorosa, fantasmal, aguda y desgarrada. Como un cementerio en un día de verano muy caluroso en contraste con la visión infernal, invernal y oscura del metal extremo, incluso el experimental. No es Noruega, es Central Park.

El doble disco, de 15 canciones y 82 minutos, incluye cuatro interludios donde escuchamos lo sublime, el lado más religioso y calmado, mientras en otros opus, un par superando los 14 minutos, se entrelazan riffs entrecortados, extraños, agudos como los gritos, con percusiones estrambóticas, que lo llenan todo con golpes de toms, repiques y muchos golpes, lo que llena a un estruendo balanceado acompañado sutilmente por los ruidos de fallas de memoria cuando los ritmos cumplen suficientes repeticiones.

Hay que insistir, mientras el 99% del metal puede ser descrito como oscuro, orgánico y hasta algo acústico, acá sobra la producción, el delicado tejido de frecuencias, el aprendizaje en estudio del noise-rock, del post-metal, del math-metal para sonar adecuadamente ruidoso, sin que perdamos la ferocidad vertiginosa. En medio de este caos, ordenado y milimétrico, suenan coros de niños, pianos góticos y cuerdas que crean lo que se podría entender como un hijo bastardísimo entre el cybergrind, el amthcore más furioso, el death metal experimental y el black metal más sinfónico con propuestas como Igorr, Pryapisme, Öxxö Xööx, Corpo-Mente y Amenra.

El disco tiene momentos en que aturde, otros que inspira, muchos más llenos de sorpresa y cuando crees que estás entendiendo, se "cuelga" para cambiar de ritmos y tiempos, mientras la cantante/guitarrista vuelve a girar en sí misma para gritarte como una bruja desesperada que toca una sinfonía maldita al mediodía en Manhattan. Es una rareza, es arte contemporáneo y es extrañamente bueno. 

Consideren que el productor es Steve Albini, un tipo con más de 1.500 discos grabados y mezclados, que ha trabajado con gene como Nirvana, Pixies, Godspeed You! Black Emperor, Mogwai, The Jesus Lizard, Don Caballero, Neurosis, Bush, Chevelle, Helmet, The Stooges y Slint, lo que permite entender que quizás ni siquiera estamos hablando de black metal o que esta etiqueta ya no significa tanto como antes, a menos que inventemos algo como el "original" y el "experimental".

En 93696 Haela también compuso los beats (incluido uno de trap que aún no he podido distinguir), las partes de pianos eléctricos Rhodes y Wurlitzer, el marxófono (una especie de cítara sin trastes), el piano, un piano de juguete y la guitarra de 12 cuerdas. El bajo estuvo a cargo Tia Vincent-Clark, las baterías fueron de Leo Didkovsky (quien tocó antes con Kayo Dot) y Mario Miron hizo las otras guitarras eléctricas y acústicas. Entre los invitados están Jake Rudin para la flauta y ocarina, Charlotte Mundy para las voces de soprano, Chris Ott en el trombón y Jon Paul Frappier en la trumpeta así como el ensamble de cuerdas Prague Strings y el coro infantil Hi Lo Singers.

Para escuchar esta bizarra obra maestra, gratis, en Bandcamp, acá: https://liturgy.bandcamp.com/album/93696