Lo nuevo de The Haunted (death melódico/groove sueco), EDM/industrial (Dawn Of Ashes), hard rock / thrash danés (Volbeat), metalcore melódico japonés, black viking alemán, black experimental sueco (con saxofón y soprano), blackgaze australiano, abstract hip hop increíble (Aesop Rock), midwest emo-pop

0. SE ME BORRÓ LA LISTA DE DEEZER!!!!

1. Songs Of Last Resort (2025) de The Haunted. Melodeath / thrash / groove pero durísimo, menos metal alterantivo y mucho más sonido sueco. Geniales, 4,2 de 5. Sin ser especial fan, me gustó esta combinación de dureza, melodía y sonido perverso en forma moderna, casi metalcore y sin ser demasiado derivativo. Ola Englund lo logra en grande con esos riffs. 

2. Infecting the Scars (2025) de Dawn Of Ashes: aunque me han gustado discos que combinan música electrónica oscura y dance con metal industrial y black metal, y aunque este disco no suena mal, los temas suenan demasiado largos y poco diferenciados. O no es su día. 2,5 de 5. Son de Los Angeles. 

3. Good Of Angel Truste (2025) de Volbeat: Si hay una banda que confunde, encanta y preocupa, son estos daneses. Tocan una combinación de heavy metal, hard rock, rock alternativo, groove, thrash y sí, rockabilly, con una voz entre operística, gótica y rockera que a veces me recuerda a Queens Of The Stone Age, aunque menor stoner y más rock clásico. No sé bien si es todo una sátira, algo más bien de humor negro o simplemente europeos raros que quisieran ser texanos. 

El resultado es mixto. Desde canciones que suenan a Lady Gaga con metal hasta momentos de grandes power ballads y otras de rock/metal alternativo regulares e incluso momentillos de metal extremo, porque bueno, son escandinavos, y también tienen esa obsesión combinada tipo Turbonegro. 3,7 de 5. 

4. Ubiquitous (2025) de View From the Soyuz: debut de esta banda de metalcore melódico de Tokio, Japón, aunque más melodeath que hardcore o metal alternativo, con muchas disonancias, mathcore y hardcore del más pesado. Guturales buenísimos, guitarras enrevesadas y enfoque en lo extremo cierran el disco con un genial intro de power metal neoclásico, para después evolucionar al black/death melódico más bestial. 4,1 de 5. Tienen tres EPs y múltiples singles desde 2021.  Realmente creativos y potentes.

5. Saviours (Deluxe - Enero 2025 - Junio 2025) de Green Day. Sin ser de los mejores discos, me opongo a que se ponga entre los peores. Tiene lo que queremos del trío, con buenas melodías vocales, mezcla de rebeldía y sensibilidad punk, una mirada pop y arreglos instrumentales mejores que el promedio del género pop punk. Yo le doy 3,7 de 5.

6. Götterdämmerung (EP, 2017) de Varg: cuatro temas de esta buenísima banda alemana de death/black melódico influenciado por el viking y el folk metal, tanto en estética como conceptual y musicalmente. Bueno. 4,3 de 5.

7. Hatred Rising (2017) de Skulldrain: debut y despedida de esta banda sueca de death/thrash bastante groove y al mismo tiempo, extrema. Combina riffs pesados, entre groove, death/thrash y thrash viejo y batería thrashosa, con un shriek que parece entre el hardcore y el thrash pero que además se antoja satírica y divertida. Súper europeo, porque además tiene momentos de mucha influencia del melodeath. 4,6 de 5. Lástima que no fueron más. 

8. Kriegsgötter MMXXV (2025) de Mystic Circle: un compilado más o menos regular, de versiones y reediciones de la banda alemana de black metal sinfónico. Las versiones de Iron Maiden, Possesed y Bathory bien, la de The Lost Boys muy mala. 3,5 porque hay muchos altibajos.

9. A Poison to the Firmament (2025, EP) de Heljarmadr: me estaba perdiendo de esta nueva banda con Sarah Jezabel Deva. Black / death metal melódico, sinfónico y experimental que empezó como un proyecto del cantante de Dark Heljarmadr.

La banda es realmente internacional, porque aunque el bajista y el cantante son los de Dark Funeral y Berseker Legion, y el baterista es también sueco, el cellista es el estadounidense Kakophonix y el tecladista/saxofonista es el brasieño Bruno Sá de Operation: Mindcrime. Cada tema es distinto, el segundo fue más bestial y duro, pero con soprano y arreglos melódicos.

10. The Stillness of Dissolution (2025) de Austere: dúo australiano de black metal depresivo, atmosférico y post-metaloso. Es Tim Yatras (invitado de Harakiri For The Sky y Heretoir) y Mitchell Keepin. Tiene blackgaze e incluso algo de black n roll y psicodelia, aunque es un poco genérico. Antes le he puesto 3,5 a sus discos. El tema final es el mejor, con shrieks profundos y una composición épica.

11. Black Hole Superette (2025) de Aesop Rock: otro buen disco de este hip hop abstracto, experimental, boom bap e illbient que me agrada. Creo que es de lo mejor que he escuchado en estos géneros alternativos pero lo lleva a algo mucho más increíble. Los temas son largos, con vientos y bajo grabados por músicos, lo que lo hace sonar más funk, potente y soul, con más profundidad. De verdad supera lo hecho por otros similares. 4,3 de 5. Nacido en Nueva York y residenciado en Portland, Oregon, está en uno de los también mejores discos de este año: Dead Channel Sky • clipping. El disco es largo, 68 minutos en 18 temas. 

12. Lonely People With Power (2025) de Deafheaven, me suena a reinvención. Después de innovar con un post-black metal "geek" o "hipster", aprenden de los distintos maestros que han recorrido este género y se alejan del dream pop / metal alternativo que tocaron en los discos anteriores, para presentar un disco que es furioso, veloz y gélido, con riffs disonantes y shrieks imposibles, rescatando el estilo que los llevó a la gloria en Sunbather aunque ahora más cerca de Portrayal Of Guilt que de My Bloody Valentine. Sin embargo, hay un trasfondo con una riqueza de arreglos más propios de black sinfónico. 

Lo escucho por segunda vez y me enamoro aún más. Las baterías de rock alternativo, las voces limpias oníricas y la combinación con el post-rock más calmado con el blackgaze más perverso es realmente una virtud y un acierto absoluto. Además, el bajista se despega de lo obvio para hacer arreglos profundos, complejos, que añaden un valor inusual y que acá se transforma en una subrutina, una narrativa alterna y que cabe perfecto con los ritmos de drum n bass que agregan a distintas canciones. 

Se agradece que vuelvan los momentos de baterías potentes que acompañan a las dobles armonías y capas de guitarras brillantes, post-metaleras y que caen tan bien con el screamo. 4,7 de 5. Un dato increíble es que el vocalista de Interpol está invitado en el tema final mientras que el ex-bajista de Beck agregó teclados adicionales. 

13. Downpour (2025) de Charmer. Ruidoso y melódico, con altísima ganancia en las guitarras, voces pop y riffs que con otra distorsión y más lentos serían quizás post-metal, es algo que podría llamarse midwest emo-pop. Los músicos son increíbles. 4,1 de 5. Me conquistaron, suenan luminosos y al mismo tiempo, disonantes, sin dejar de ser tangencialmente pop punk y alternativos.

Black metal vikingo, metal avantgarde francés y lo nuevo de Zeta (post-hardcore de Puerto La Cruz), death/doom atmosférico aburrido, ragga jungle / breakcore, post-hardcore regular, death/black de Singapure, black melódico originario, jazzy hip hop y terrible country hecho por Ringo Starr

1. raunijaR (2015) de Helheim: uno de sus discos más básicos, quizás uno de crisis existencial, en que la banda noruega no termina de decidirse en qué dirección ir con su black metal / folk progresivo. A pesar de la presencia de violines (como el hardingfele, violín tradicional noruego, instrumento nacional) y contemporáneos, piano, corno francés y percusión, hay más black atmosférico y viking metal que lo desarrollado más tarde, hacia el metal progresivo y el post-metal como en el disco landawarijaR. El tema final, de más de 10 minutos, cierra grandiosamente este disco, haciendo un largo solo psicodélico en medio de una nube de space rock, black atmosférico y algo de post-metal, que avizoraba lo que harían varios años después. A este le doy un 3,6 de 5. En Spotify.

2. 2 Unlimited (2008) de Pin-Up Went Down: de mis discos "formativos" en el gusto por la música metal experimental y avantgarde, antes de tener claro que era un tema progresivo. En el debut de este proyecto del ex-baterista de Carnival In Coaly Wormfood, Alexis Damien y la vocalista Aurélie Raidron (Asphodel y más tarde en la banda de metal avantgarde, öOoOoOoOoOo) juguetean con el electropop (y otras formas de música electrónica o tangenciales) que luego desarrollaría con más cuidado en el disco siguiente. Por ahora hay herencia también de Mr Bungle, por lo que la música circense, de cabaret y la experimentación sónica con tropos del death metal, extrañas formas vocales, el uso de música (y anti-música) entran y salen como un instrumento más. Por eso tenemos shrieks sobre pistas de batería sin otros instrumentos, un beat box metalero y largos gritos de soprano rasgada a lo Diamanda Galas.

De mis favoritos del corazón, 4,7 de 5. En Spotify. Tienen un single de 2024 así que esperemos que este año tengamos al menos EP nuevo. En Spotify.

3. Was it medicine to you? (2025) de Zeta: Hace aaaaaaños conocí a esta banda de Puerto La Cruz, que entonces se llamaba Zeta Once. Hacían algo más cercano al punk, post-punk y emo, aunque ahora tienen una propuesta de post-hardcore / post-rock que me reencontré el año pasado con mucho gusto. Lo que más me gustó no fue que ahora vivan en Estados Unidos (Miami, Florida) sino que tengan tantos discos e incluso un concierto en 2021 en KEXP (un equivalente más rockero y en vivo de los Tiny Desk de NPR).

Echando mano del rapcore, música experimental, rock progresivo y algo de post-punk producen un disco con calidad internacional, inserto totalmente en el movimiento global de post-hardcore, con ciertos parecidos a Coilguns e IDLES. Además, no olvidan sus raíces, y en el disco tienen una canción llamada The Truth que incluye cánticos de protesta venezolana: "no tenemos miedo" y su disco 2019 se titula Mochima. 4,5 de 5. En Spotify. Es un disco brevísimo de 7 canciones en 21 minutos. 

4. Desprins (2025) de Clouds: el tipo de bandas de doom que no logran nada conmigo, en este caso, temas monótonos, lentos y sin demasiados matices, salvo la presencia perenne de la flauta que me recuerda a Lux Occulta. Más gótico que fúnebre, a pesar de sus buenas voces limpias, no me conquistan, para nada, aunque le concedo la buena producción y un sonido impecable, así como momentos rescatables de post-metal y algo creativos cuando aumentan la velocidad y combinan distorsiones para sonar más post-metal. Aún así, 2,5 de 5. 

5.  Singles de Cryptosis, thrash progresivo holandés que tiene muchísimo para entrar en la élite global del género. Singles de Coheed And Cambria que van del emo-pop al post-hardcore progresivo, con voces limpias y gritadas, algo de drum n bass y experimentación electrónica.

6. Monolith (2012) de Bong-Ra: otro de esos discos maravillosamente raros, porque combinan jungle, drum n bass, hard techno, dub, hip hop y metal (tanto que están en Metallum) en lo que podríamos agrupar como raggacore y ragga jungle. Proyecto del holandés Jason Köhnen, que durante sus décadas de carrera fue mutando del breakcore e industrial hip hop hacia el doom/death, el stoner metal, el drone y dark jazz de Antediluvian (2018). Es baterista de la banda de doom Celestial Season y fue parte de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble. En Spotify.

7. TANGK (2024) de Idles: aunque no soy fanático, aprecié mucho sus primeros discos, llenos de noise rock y post-hardcore, pero Crawler y este están más cercanos a una versión más minimalista, quizás cuidada y hasta mejor producida, de art rock, art punk y post-punk, que mantiene la calidad interpretativa y los guiños con Radiohead, aunque provocando menos entusiasmo y desaforada pasión, como dicen en Sputnikmusic, es una rabia que nunca termina de explotar, lo que sentí en su Tiny Desk, provocan pero quedan debiendo. Los de Bristol se llevan esta vez 3 chocolates de 5. En Spotify.

8. Antithesis (2025) de Rudra: la banda de Singapore, conocida por el sonido del folk del sudeste asiático en su mezcla de black/thrash/death presenta un disco bastante técnico, furioso y perverso, aunque sin ningún sonido exótico, lo que se hecha en falta inmediatamente. 

Aún así, a pesar de lo esperado, los riffs disonantes y la voz como medio narrada estimula la imaginación hacia paisajes gélidos y nórdicos, quizás separando a la banda de ser una agrupación que necesariamente deba incorporar sonidos autóctonos de su región, aunque sea su valor agregado. La segunda parte del disco se defiende con acordes menores, arreglos potentes y death/black oscurísimo por medio de muy buen trabajo de guitarras, aunque es difícil olvidar su historia, incluyendo sus coqueteos con lo progresivo, del cual también se despojaron en este nuevo disco. Le daré un 3,9 de 5 con nostalgia porque me gusta mucho el metal con influencias de sonidos de Medio Oriente y Asia. En Spotify.

9. Storm of the Light's Bane (1995) de Dissection: mientras el "sonido de Goteburgo" llevaba al estrellato a In Flames, Dark Tranquillity y a At The Gates con sus discos seminales del death metal melódico, otros compatriotas construían en otra dirección, construyendo una vía alterna pero paralela sobre el legado y aprovechando el caldo de cultivo del metal extremo sueco.

Así terminaron pariendo un sonido más melódico del black metal, con una producción pulida, riffs progresivos y melancolía, que se alimentaba tanto del emergente melodeath como de las dobles armonías del NWOBHM. Este disco claramente definió lo que luego escucharíamos en propios y extraños, tanto en Satyricon y Emperor como en bandas posteriores.

El mítico productor Dan Swanö está entre los invitados, agregando guturales, junto a Legion (ex-Marduk) y Tony Särkkä "It" (ex-Abruptum y ex-Ophthalamia) también fallecido.

La creatividad de las guitarras y los arreglos que iban desde trémolos que hacían círculos y no sólo monótonos riffs, sobre blast beats poderosos y cambios de tiempos y tonos en la progresivos de acordes, con algunos sonidos cavernosos en la batería, establecían una nueva forma de lo que antes habíamos escuchado en Bathory, Burzum, Mayhem y Darkthrone sin perder oscuridad ni misterio, sino agregando melodías y armonías de forma creativa, lo que levó este género a lo que ahora disfrutamos. Es un 4,7 de 5. En Spotify. 

Un capítulo aparte merece recordar que Jon Nödtveidt, guitarrista, compositor y cantante de la banda se quitó la vida en un ritual en 2008 después de salir de la cárcel por ser cómplice en un deplorable homicidio por razones racistas y publicar el tercer disco de Dissection, Reinkaos.

10. Quaranta (2023) de Danny Brown: lo que escribí el pasado 22 de octubre: un discazo de jazzy hip hop experimental que me gustó muchísimo la primera vez que lo escuché porque usa raros pitches en la voz (un poco sonado como B-Real), una música compleja y muchos sonidos inusuales. Además que está en varios discos que me han gustado mucho como No Hands de Joey Valence & Brae y Scaring The Hoes de JPEGMafia. Además, entre los músicos, productores y compositores, hay proyectos de jazz y rock alternativo, lo que explica la riqueza musical de esta producción. Un discazo, le pongo 4,3 de 5. En Spotify.

Según RYM es hip hop consciente, hardcore, experimental y abstracto, así como trip hop.

11. Look Up (2025) de Ringo Starr: horroroso country contemporáneo. No, amigo, 1,5 de 5.

12. All Hail The Swinelord (2015) de This Gift Is A Curse: ruidoso, sucio y extremo, mezclando hardcore, crust punk, noise, sludge y black metal desde Suecia (y viene un disco 2025, yeah!). Me sorprendió por el sonido luminoso, brillante y caústico más propio de bandas de grindcore o power electronics con las formas del black metal en algunas canciones, aunque le agregan unos solos y arreglos de sintetizadores en notas agudas que parecen exagerar mientras contrastan la densidad opresiva de las guitarras en trémolo expansivo y atmosférico pero ensordecedor. Es un disco también divido en dos partes, siendo la segunda la que tiene más sludge, usando tambores tribales y guitarras ritualistas más un sonido menos invasivo. Las voces, siempre en capas de diversos gritos, grunts y growls son exasperadas y urgentes, parece que van corriendo a toda velocidad a riendas de un caballo desbocado e infernal, que se representa en varias guitarras haciendo trémolos, riffs hiper-speed y fantasmagoria en diversos efectos especiales. Es atronador y delicioso. En Spotify. 4,7 de 5.

Lo que escuché el 19 de octubre: stoner doom chileno, death finés, lo nuevo de Jerry Cantrell (grunge), neo soul, mod rock, powerviolence / death, hardcore / post-punk, lo nuevo de Bon Iver y sludge progresivo de Letonia

 1. Complement: 66 de Paul Weeler, un EP complementario del disco 66, sucedor del Fat Pop, del ex-integrante de la legendaria banda inglesa de punk y post-post, The Jam. Según Rough Trade, su disquera: "Todas las pistas fueron producidas por Paul Weller y cuentan con la mayoría de la Wellerband más Max Beesley en vibráfono, la leyenda del folk Danny Thompson en contrabajo y el miembro original de Jam Steve Brookes en guitarra. La estimada cantante y compositora de folk Kathryn Williams toma la voz principal en el inquietante cierre "So Quietly", que también coescribió". Con sonidos del jazz, la big band jazz y algo de folk, es un EP de Mod Rock, con excelente producción, un buen 3,8 de 5.

En Spotify.

2. Union Chapel Live EP de Celeste: cuatro temas en vivo de la cantante británica nacida en Estados Unidos, Celeste Epiphany Waite, con una voz entre Adele y Amy Winehouse, cultivando el neo soul con toques jazz y RnB. Muy bueno, 4 de 5. En Spotify.

3. I Want Blood de Jerry Cantrell: máximo grunge revival, con buena producción, sonido y temas, pero sólo cultiva lo que conocimos a finales de los 90 en la muy influyente banda Alice In Chains, banda seminal del metal alternativo, que aprecio y reconozco pero de la que nunca fui ni soy un gran fan, a pesar de tener a Tom Araya de Slayer de invitado en uno de sus discos y las muchas versiones de artistas que adoro del tema Them Bones. Así que ahora aunque aprecio el gran trabajo de composición y performance, sigo sin desvivirme. 

La intención de "sonar como Alice In Chains" superó a la impresionante lista de invitados: Gil Sharone (baterista de Marilyn Manson, Stolen Babies y Team Sleep, ex Dillinger Escape Plan), Duff McKagan, Greg Puciato (Better Lovers, Killer Be Killed, Spylacopa, exDillinger Escape Plan), Mike Bordin (baterista de Faith No More, exOzzy) y Robert Trujillo. Aún así, 3,5 de 5.

4. Ecstatic Death Reign de Ashen Tomb: death metal de Finlandia, poderoso, furioso y rápido, pero momentos lentos causi-doom y cuasi-breakdowns de deathcore, algunos gritos casi pig-squeal y un sonido cristalino, muy bien producido pero con un sonido old-school modernizado. Buenos solos, que me recordaron un poco a Deicide pero también algo de metal más moderno. Por ahora, 3,5 de 5. 

5. Inche Kai Che (2022) de Inche Kai Che: debut de la banda de stoner rock / doom metal chileno psicodélico (aunque según ellos también dic en que tocan heavy blues), con unos solos de guitarra increíbles, una base rítmica sólida, buenos riffs y una voz espacial. Muy buenos, 4,2 de 5 sin dudas. En Spotify también está su disco 2024, llamado Transmutación. Me encantó la portada del disco.

El nombre de la banda significa Yo, el hombre, permanece" o "En mi, el hombre permanece", que es el grito de guerra de los mapuches, indígenas originarios de La Araucanía, una región de lo que hoy es Chile.

6. Dreams On Algorithms (2024) de Escuela Grind: death / grind / hardcore / powerviolence de Pittsfield, Massachusetts (antes Ithaca, Nueva York). Hasta ahora no me habían conquistado, pero este disco está más potente, rudo y agresivo, además de mejor producido que lo que había escuchado antes. Mucho mejor escucho a Katerina Economou en las voces, quien es una invitada en el disco The Acacia Strain – Step Into The Light, cuyo cantante, Vincent Bennett, también está invitado en este disco. En el tema final usan voces femeninas limpias, medio punk. 

En Spotify. Un cómodo 3,8 de 5. Buenísima la portada, quizás la censuran en algunos lugares.

7. Shipwrecked de Sun And Sail Club: punk psicodélico con rock/metal que suena a medio camino entre el thrash progresivo de Voivod y el stoner rock de Kyuss, lo que le suma una riqueza de arreglos, velocidad y suciedad que no tienen los fumones originales, lo que hace que me gusta muchísimo más. Especialmente por los temas cortísimos. Un 4,2 de 5 por lo temas más potentes. Soy casi fan. Un detalle muy divertido, es que el tema inicial y el final, son unos suaves arpegios de blues.

El baterista de Fu Manchu y el ex bajista de Kyuss, ambos llamados Scott Reeder. En Spotify.

8. Guided Tour de High Vis: post-punk inglés, con una voz que parece la de Perry Farrell. Según su Bandcamp: son hardcore progresivo con sombras de post-punk, Brit pop y neo-psychedelia. Según Wikipedia, también tienen elementos de baggy (un género anterior al Brit pop y el grunge, que provino de la rica escena electrónica dance de Manchester y que derivó en bandas de rock alternativo y de los dos géneros anteriores). 

La música me parece mucho más interesante que lo usualmente descubro con bandas que hacen post-punk sin fusión, que en este caso son guitarras más potentes  pero sin llegar a ser Chat Pile y a pesar de la voz, con más dinámicas en los riffs y atmósferas. Les doy un buen 3,8 de 5 por la mejora para mi oído. Spotify para alterar el algoritmo. El tema Mind´s Is A Lie tiene más clara influencia de la música electrónica.

9. Sable, EP de Bon Iver. Indie rock electrónico. Con unos toques country y mucha más electrónica. Es bueno, pero no me mató, así que 3,5 de 5.

10. Asni de Oghre: banda letona de slugde progresivo, que tiene elementos de black y post-metal, con gritos desesperados entre semi-gritados y guturales, pero también música experimental y stoner por otro lado, algo de kautrock, gracias a los elementos folk, electrónicos y de instrumentación europea, siempre cantado en letón (que al principio me sonó a italiano).

Con temas larguísimos, enfocados en la guitarra y con sonido casi estridente en volumen, usa breves momentos minimalistas para evolucionar a una esfera de guitarras con efectos que ocupa el universo, sin ser shoegaze, expansivo ni atmosférico sino a punta de overdrive, con fondos llenos de órganos y sintetizadores, orquestaciones electrónicas y pequeños ruidos. Al final del disco, el tema Nospiedums, tiene un tono más meditativo y lento, casi ritualista, más occult metal y doom, con instrumentos de viento.

Muy bueno e interesante, le pongo 4,2 de 5. En Spotify.

Un lingüista chino que escribe en griego antiguo es la mente maestra de Hoplites, un fino y extraordinario black/death jazz progresivo con cuatro discos en un año

Las bandas de un solo hombre están viviendo un gran momento, no sólo por su abundancia productivo sino por explorar y combinar géneros que van desde el black metal crudo hasta el post-black / shoegaze, con algo de ambient, noise y metal sinfónico. Y dentro de ese cosmos de solitarios multi-intrumentistas está Hoplites (una transliteración del griego Ὁπλίτης, verdadero nombre de la banda y que podría traaducirse al español como Soldado)

Hoplita griego

Con tres álbumes en 2023, publicados el 1° de enero, el 19 de abril y el 1° de octubre, el lingüista chino Liu Zhenyang (experto en lenguajes chino-tibetanos) exploró el black metal en combinación con el shoegaze, el death técnico y hasta el metalcore, hasta llegar al primer álbum de 2024, Παραμαινομένη (Perpetuado o Todavía estoy allí, en español) en que el se sumerge magistralmente en el black/death progresivo, incluyendo el saxofón y los pianos, los arreglos de jazz y hasta algo de electrónica, que lo acerca más a artistas como Imperial Triumphant, Aetheria Conscientia o Nullentropy.

Con sólo seis temas en 52 minutos, lo que da un promedio que supera los 8 minutos y medio por tema, la producción más reciente muestra una muy cuidada producción que permite jugar con distorsiones sucias y baterías progresivas, shrieks perversos y riffs de black metal/punk, a los que se le pueden agregar arreglos cuidadosos de instrumentación alternativa que encajan magistralmente, por supuesto, incluyendo folclóricos chinos.

A diferencia de otras bandas con obsesiones por la mitología nórdica o griega, la historia antigua y la iconografía, en Hoplites está con un dialecto del griego antiguo. Solo con el lenguaje, la gramática, la fonética, las figuras literarias. En una entrevista con Invisible Oranges Zhenyang dijo que no le interesaba la cultura o filosofía de los griegos, sino su forma de escribir y hablar. 

Y eso le dio una ventaja viviendo en China: para tocar en vivo te piden que envíes al Partido Comunista las letras de las canciones, incluso traducidas. Liu tenía miedo de lo que podían pensar, porque hace crítica social y política, pero en griego antiguo. No leyeron nada al parecer, porque le dieron el permiso. Así mismo, declaró que fundó Hoplites como un "laboratorio de riffs", alternativo a su banda Vitriolic Sage, en el cual también drenar su obsesión por los idiomas, pues él mismo habla de forma nativa mandarín y dialecto wu. Ahora vive en Francia, donde se mudó en 2022 para continuar sus estudios de maestría.

Musicalmente hay una paleta inmensa en el disco. Incluyendo el avantgarde y lo experimental, Liu explora el mathcore como complejidad compositiva, agrega interludios melódicos, apela al post-metal y al shoegaze para hacer atmósferas mientras recurre muchísimo al death jazz sofocante a lo Imperial Triumphant o Deathspell Omega, algo de hardcore punk, de doom-jazz y mucho del progresivo/electrónico de Porcupine Tree y en el fondo siempre una actitud, sonoridad o base de black metal, principal vía de comunicación del artista.

Y eso proviene de una abundancia de influencias tan gigantesca como laberíntica. En una larga entrevista con Machine Music reveló cuanta música escucha, con una extensión tan amplia como la que expresa en sus discos. Desde Trivium, revocation y Vektor pasando por las obvias de Mayhem y Emperor. Por supuestro, Vitriol (que tienen un poderoso nuevo álbum publicado el 12 de enero del 2024), pasando por Health, ZAO y varios artistas japoneses y españoles de black, death, synth-punk y hasta metalcore progresivo como The Human Abstract.

Si quieres escucharlo, gratis en Bandcamp, acá: https://hoplites.bandcamp.com/album/--8

93696 de Liturgy: la ópera-cyber-black-math metal filosófico que deslumbra con música extrema brillante y litúrgica

93696 es retador, absolutamente. Tanto para descifrar todos sus detalles, como para comprenderlo y más aún para reseñarlo, porque requiere saber mucho de música. No es algo digerible, sencillo o simplemente innovador.

Hace cuatro años escribí muy concienzudamente sobre su disco H.A.Q.Q. que yo apenas descubría a pesar de ser su cuarta placa. Y es que los ojos y oídos del mundo se posaron sobre esta banda que algunos clasificaron con sorna como "black metal hipster" porque presentaba una visión muy poco ortodoxa del género nórdico, con letras y una propuesta artística desde la disertación filosófica, la trascendencia existencial e incluso la meditación litúrgica.

La reseña de ese disco que mezcla sonidos de computadoras, math metal, aullidos de banshee, música clásica y experimental, algo de noise e instrumentos rarísimos lo pueden leer acá, por si quieren saber más antes de conocer lo que podría ser uno de los mejores álbumes de 2023.

En este nueva producción el cuarteto de Nueva York, liderados por Haela Ravenna Hunt-Hendrix, quien hizo la transición a mujer en estos pasados cuatro años, como para deleitar a los conservadores y puritanos que critican su propuesta, vuelve a echar mano de ideas similares a las de Lingua Ignota, Elend, Zeal & Ardor y Deafhaven para mezclar pianos, coros infantiles y poderosas baterías veloces con distorsionados riffs de guitarra de notas mayores y brillantes, disonancias frenéticas y efectos sonoros de falla de memoria de tu computadora. Es difícil precisar si es black metal experimental, mathcore de vanguardia o música académica contemporánea.

Lo épico y lo extraño se unen entonces con tropos del metal extremo, con arreglos que usan tiempos imposibles, cambios insólitos y mucha distorsión del mathcore. Los temas van de lo angelical a lo bestial pero bañados en una luz perenne y una agria voz dolorosa, fantasmal, aguda y desgarrada. Como un cementerio en un día de verano muy caluroso en contraste con la visión infernal, invernal y oscura del metal extremo, incluso el experimental. No es Noruega, es Central Park.

El doble disco, de 15 canciones y 82 minutos, incluye cuatro interludios donde escuchamos lo sublime, el lado más religioso y calmado, mientras en otros opus, un par superando los 14 minutos, se entrelazan riffs entrecortados, extraños, agudos como los gritos, con percusiones estrambóticas, que lo llenan todo con golpes de toms, repiques y muchos golpes, lo que llena a un estruendo balanceado acompañado sutilmente por los ruidos de fallas de memoria cuando los ritmos cumplen suficientes repeticiones.

Hay que insistir, mientras el 99% del metal puede ser descrito como oscuro, orgánico y hasta algo acústico, acá sobra la producción, el delicado tejido de frecuencias, el aprendizaje en estudio del noise-rock, del post-metal, del math-metal para sonar adecuadamente ruidoso, sin que perdamos la ferocidad vertiginosa. En medio de este caos, ordenado y milimétrico, suenan coros de niños, pianos góticos y cuerdas que crean lo que se podría entender como un hijo bastardísimo entre el cybergrind, el amthcore más furioso, el death metal experimental y el black metal más sinfónico con propuestas como Igorr, Pryapisme, Öxxö Xööx, Corpo-Mente y Amenra.

El disco tiene momentos en que aturde, otros que inspira, muchos más llenos de sorpresa y cuando crees que estás entendiendo, se "cuelga" para cambiar de ritmos y tiempos, mientras la cantante/guitarrista vuelve a girar en sí misma para gritarte como una bruja desesperada que toca una sinfonía maldita al mediodía en Manhattan. Es una rareza, es arte contemporáneo y es extrañamente bueno. 

Consideren que el productor es Steve Albini, un tipo con más de 1.500 discos grabados y mezclados, que ha trabajado con gene como Nirvana, Pixies, Godspeed You! Black Emperor, Mogwai, The Jesus Lizard, Don Caballero, Neurosis, Bush, Chevelle, Helmet, The Stooges y Slint, lo que permite entender que quizás ni siquiera estamos hablando de black metal o que esta etiqueta ya no significa tanto como antes, a menos que inventemos algo como el "original" y el "experimental".

En 93696 Haela también compuso los beats (incluido uno de trap que aún no he podido distinguir), las partes de pianos eléctricos Rhodes y Wurlitzer, el marxófono (una especie de cítara sin trastes), el piano, un piano de juguete y la guitarra de 12 cuerdas. El bajo estuvo a cargo Tia Vincent-Clark, las baterías fueron de Leo Didkovsky (quien tocó antes con Kayo Dot) y Mario Miron hizo las otras guitarras eléctricas y acústicas. Entre los invitados están Jake Rudin para la flauta y ocarina, Charlotte Mundy para las voces de soprano, Chris Ott en el trombón y Jon Paul Frappier en la trumpeta así como el ensamble de cuerdas Prague Strings y el coro infantil Hi Lo Singers.

Para escuchar esta bizarra obra maestra, gratis, en Bandcamp, acá: https://liturgy.bandcamp.com/album/93696

Doblete avantgarde: black metal - trip hop - folk húngaro de Thy Catafalque / Black metal hipster con arpa, vibráfono y oboe japonés de Liturgy

Describir la música rara, experimental y de vanguardia puede requerir mucha poesía o amplios conocimientos de teoría musical. Y como me encontré con tres obras realmente extraordinarias como retadoras, las voy a resumir para ustedes, porque si aman explorar nuevos horizontes y conocer artistas que se ríen de los géneros, este post los va a iluminar.

Naiv

Empezamos por Thy Catafalque, la obra de Tamás Kátai, quien desde hace 15 años ha combinado magistralmente el black metal, el trip hop, el folk de su natal Hungría y la música industrial para elaborar una especie de metal progresivo muy retadora. Con "Naiv", publicado el 24 de enero de 2020, este compositor y arreglista parece haber llegado a un nuevo nivel en la producción, mezcla y presentación de sus ideas.

Su resultado es combinar sin estridencias los arreglos de instrumentos orquestales con las capas de electrónica y el metal extremo sin sonar como un collage, a pesar de la colaboración de siete músicos, nueve instrumentos y cuatro cantantes invitadas: Martina Veronika Horváth, Gyula Vasvári, Zoltán Kónya y alguien bajo el seudónimo P.W. Hermann. Muchos de ellos anteriores colaboradores de su proyecto Gire.

Así logra un hilo conductor en cada tema que permite sumergirse en la música sin esperar o sobresaltarse porque viene la distorsión, la paz acústica, el arreglo orquestal o la atmósfera electrónica a pesar de la incursión del violín, la viola, el violonchelo, el oud, la citera, el trombón, el saxofón, la quena y el bajo sin trastes.

Aunque el disco empieza con una furiosa descarga de black metal que es suavizada con tonos de soprano, hay sorpresas como los tonos funk y slaps del bajo, los momentos de metales jazzísticos, el dominio de los sintetizadores e incluso algunos grasps de black metal. Y aunque Tamás dice que el disco hace honor al temperamento infantil, informal e improvisado del arte naïve, lo que alcanza es de una genialidad sónica.

Mi tema favorito es Vëto, una épica de ocho minutos que inicia con disonantes riffs de metal pero que evoluciona hacia una melodía de electrónica/rock progresivo/medio oriente que puede ir entre Vagabond de Subterranean Masquerade y temas menos metaleros de Orphaned Land para pasar a elucubraciones industriales atmosféricas a lo Samael para luego volver a la percusión, los riffs pesados y cacofónicos, los coros femeninos y la disonancia.

La combinación es aún más compacta que lo logrado por Thank You Scientist, siendo Naiv el disco menos pesado de su carrera, no alcanza el paroxismo de Solefald o The Hirsch Effekt, sino es un viaje extraordinario que incluye sonoridades de Medio Oriente y gitanas con momentos de oscuridad, sobre una poderosa base de industrial europeo que deja una suculenta sensación.

Lo puedes escuchar aquí: https://thycatafalqueuk.bandcamp.com/album/naiv

H.A.Q.Q.


A tu computadora no le falta memoria. Bueno, quizás sí, pero no es por eso que suena así este disco. Liturgy es una banda que podría presentarse como black metal 2.0, si uno hace la analogía con el trap y el rap de Soundcloud o el underground experimental de Bandcamp. Pero en este caso es porque partiendo desde el black metal experimental claustrofóbico y asfixiante que se puede escuchar en bandas como Imperial Triumphant y Car Bomb o cualquier cosa donde toque o produzca Colin Marston, le agregan arreglos electrónicos y sinfónicos desconcertantes.

Esos terribles sonidos que arroja tu computadora cuando falla la memoria, murmullos en forma de ópera de vanguardia como Lingua Ignota y muy raros sonidos de cuerdas, vibraciones asiáticas y teclados son introducidas en el fondo del caótico ruido de avantgarde progresivo que cesa, se interrumpe y alimenta con estas externalidades.

Así vibráfonos, pianos, arpas, hichiriki (oboe japonés), ryūteki ("flauta dragón" japonesa) y un ensamble de cuerdas comparten protagonismo con las guitarras, batería y bajos de pura maldad para juntos hacer sonidos muy brillantes, como un black metal asoleado, a lo Sunbather de Deafhaven e irremediablemente comparable con Sigh, progresivos y vanguardistas, pero niuyorquinos en vez de japoneses.

No son pequeños arreglos de instrumentos exóticos, es que el metal es por momentos una parte accesoria, circundante y casi periférica para el concepto que incluye completos interludios con estos instrumentos "no metaleros", así como principal apoyo en melodías, siendo un ingrediente homogéneo de las agudísimas armonías. Así los arreglos de arpa suenan al mismo volumen que la batería, por ejemplo.

Y si lo que hace Paladin o Stormlord al combinar black metal con power metal o lo que hace Aetheria Conscientia con su black metal jazz cósmico es señal de una nueva época, definitivamente hay un nuevo género exploratorio en lo que hace Liturgy, con su nombre tradicional y su rareza absoluta para presentar su concepto artístico en la prolífica y bizarra escena de Nueva York, donde también podemos ubicar a Pyrrhon, Woe y Dead Empires.

Por supuesto que hay un genio central, Hunter Hunt-Hendrix. Olvídate de Zeal & Ardor, aquí está la verdadera vanguardia con el black metal deconstruido, con la visión hipster, con el sol de verano pegándote en los ojos para hacer riffs que derritan tu cara añadiendo luminiscentes sonidos que hacen realmente estridente, confuso y horriblemente que también tenga hermosas melodías.

Lo escuchas aquí https://liturgy.bandcamp.com/album/h-a-q-q