Mis disco favoritos de 2025: Never Enough de Turnstile: a veces post-hardcore, otras new wave y casi siempre ambas

A veces uno aprecia una banda antes que los demás, antes que sean famosos e incluso tanto tiempo antes que apenas, los recuerdas. Eso me pasó con ellos y ahora que están en mayor reconocimiento, uno dice, al mismo para sí mismo, yo ya sabía (o intuía). Aunque también hay que admitir, el disco con los que los conocí hace ocho años, Time & Space era básicamente hardcore punk y post-hardcore. 

La portada es extremadamente minimalista.

Con el doble single/video SEEIN´ STARS / BIRDS definen claramente lo que hacen y cultivan, por segunda vez después de Glow On, que son una banda que hace post-hardcore y rock alternativo, e incluso metal alternativo y hardcore punk, pero también dream pop, new wave y ambient pop, al mismo tiempo, con humor, creatividad, desenfado, alegría y guitarras que pueden ser psicodélicas, punketas e incluso metaleras, y todo al mismo tiempo. 

Me suena a esa nueva tendencia noventera de tocar canciones pop o radiales a ritmos de guitarras industriales, pero esto es algo extraordinariamente mejor, y sin recurrir al nintendocore. 

Algo quizás tan divertido y osado, similar a lo reciente de The Callous Daoboys así no alcancen sus alturas, sí hacen algo realmente que toma los sonidos ochentosos, de estas escenas tan disímiles y los unen de forma única. Es decir, es punketo ye electrónico pero no es synth punk, al revés, es una especie de hardcore/post-hardcore con sonidos del new wave y el dream pop, incluso ambient y hasta dance, pero pensado desde el concepto de banda, nada de laptops. ¡Grandioso!

Por ejemplo, en la canción I CARE se encuentran magistralmente todas esas influencias, por ejemplo. Y DREAMING es una locura con esos ritmos latinos y new wave junto a guitarras punketas. DULL es otra joya y ni hablar de LOOK OUT FOR ME, con sus bases discotequeras y pianos oníricos, siempre acompañadas de guitarras hardcoreras y ritmos rapcore, voces con reverb y atmósfera industrialosa. SLOWDIVE es otra gran canción, partiendo desde el metal alternativo, con las guitarras más potentes pero igualmente rítmicas y electrónicas, que pueden recordar a War Pigs de Black Sabbath.

Un par de excepción, CEILING y la del cierre, MAGIC MAN, que no tienen nada.

La banda es Brendan Yates en las voces, Daniel Fang [D-Fang] en la batería, Franz Lyons [Freaky Franz] en bajo y voces, Patrick McCrory y Meg Mills en guitarras. Entre los invitados, haciendo pequeñas partes, están el jazzista Shabaka en las flautas, Hayley Williams de Paramore y la cantante de country pop alternativo Faye Webster en los coros.

EP en vivo de Frank Lucas (Motherflowers), post-rock/noise femenino, space ambiente sueco, black/grind avant-garde y downtempo deathcore

0. En la clase de Ciudadanías Digitales hicimos el juego de Rojos y Negros para pensar si la sociedad colombiana es cooperativa y/o competitiva, y en cuáles situaciones, además de pensar cómo se toman las decisiones colectivas.

1. Live From La Selva EP (2025) de Frank Lucas: uno de los Motherflowers, presenta un EP en disco con Xico, Irepelusa, JUANPORDIOS!. Se escucha cumbia, bolero, bachata y otros ritmos musicales tropicales mezclados con pop rap y beats electrónicos. En Spotify.

2. Singles buenísimos de Blackwater Holylioght, un quinteto femenino de Portland, Oregon, que solía ser psicodelia stoner y ahora se sumerge en el post-rock / noise / shoegaze. Muy buenos singles de Zig Zag de By Storm y Injure Reserve y 9th Heaven de Backxwash con hip hop abstracto /alternativo. Y aún más increíbles fueron los dos de Deerhoof con un pop progresivo de arreglos enredadísimos y alocados, a lo Mars Volta. Muy bueno Desolation Hexx de Conan, con sludge/post-rock/doom

3. Machine Dialectics (2025) de Mitochondrial Sun: proyecto del guitarrista de Dark Tranquillity, Niklas Sundin, de Space Ambient y Progressive Electronic, que suena bastante bien, aunque no tan sexy como para escuchar un disco entero. Muy muy muy buena producción, un concepto clarísimo y sonido relajante sin ser New Age sino interesante de escuchar, nada simple aunque no es pop progresivo. 2,5 de 5. 

4. Soul Washed Bleach (2025) de Homeskin: super sucio noise metal, que a pesar de un sonido lo-fi, crudo y subterráneo, muestas arreglos de jazz, rock progresivo y death técnico sonando a grindcore y black grabado en un sótano. Oooootro proyecto del californiano Garry Brents (Gonemage, Memorrhage, Sallow Moth [4,2 de 5 con su grind/death progresivo con jazz y arreglos orquestales] y ex-Cara Neir). Avant-garde, entre John Zorn, Igorrr y SUPERCOLLIDER. 3,6 de 5.

5. Phobias (2025) de Traitors: downtempo deathcore / nü-metal de Tampa, Florida. Aunque la banda suena con los tropos del deathcore, con sus guitarras pesadas de wall-of-sound, breakdowns y pig squeals, así como una nutrida cantidad de gritos, riffs llenos de armónicos y muchos arreglos de electrónica como base y sustento transversal, tiene la virtud de ser mucho menos extremos que otras bandas del género, lo que se convierte en virtud, pues gracias a una pulidísima producción y una composición muy cuidadosa, pueden presumir de canciones en las que escuchamos cada detalle de la composición con un sonido cristalino, en que brilla la instrumentación y no sólo el golpe de efecto del sonido monstruoso aunque a veces repetitivo. Es loco como agregaron detalles nü-metal como scratchs de vinilos. Sin embargo, no es tan distinto como podrían serlo. 3,7 de 5. 

30 años después: In The Nightside Eclipse, el debut de Emperor, banda que definió el black metal sinfónico en los 90

Un clásico del black metal melódico y sinfónico que cumple 30 años. El debut de la banda de Telemark, Noruega, que marcó el rumbo de lo que sería el black moderno, con el uso de teclados, influencias de la música clásica y con arreglos que enriquecían la propuesta inicial de trémolos, acordes menores y blast beats, aunque mantenía mucho de lo original como el shriek, la atmósfera de oscuridad mística y el sonido crudo, brutal y gélido, de baja calidad aunque altísima inspiración. Entonces el black metal era una reunión de finas artes contemporáneas que incluía maquillajes, escenografía, vestuario y locaciones. 

Musicalmente recurría a otros usos de la guitarra que no eran sólo los trémolos, los teclados eran una parte esencial aunque estaban como parte de una concepto integral y no de forma gótica ni orquestal en primer plano, sino atmosférica. Y aunque la batería era infernalmente veloz, grababa con reverb y salvaje, ya hacía unos cambios de ritmo que junto a los arreglos que hacía Ihsahn en voz, guitarra y teclados, asomaba el ingreso del metal progresivo en las composiciones. 

Un punto alto es Cosmic Keys To My Creations And Times, en que lo existencialista y cósmico se une a influencias de Mercyful Fate, que se extienden por todo el disco, como lo demuestra el cierre con una versión de Gypsy, aunque también versiones posteriores incluyeron A Fine Day To Die de Bathory, que también es coherente con los acercamientos hacia el uso de teclados. El tema cumbre es, sin embargo, I Am The Black Wyzard, en que lo sinfónico es aún más claro, con una versión operística y épica del black metal terciado por teclados y riffs melódicos.

Aunque es destacable y un clásico, creo que es inferior al sucesor, Anthems To The Welkin At Dusk. En este disco la banda estaba completada por Samoth, quien grabó guitarra y bajo en The Shadowthrone de Satyricon y la guitarra en Constellations de Arcturus y Pentagram de Gorgoroth. En el bajo estaba Terje Vik Schei, Tchort, quién salió de la banda al ser encarcelado por dos años y luego tocó en Blood Red Throne y Carpethian Forest. Ahora es parte de Green Carnation, banda de metal gótico y progresivo. Faust (Djevel) fue el encargado de grabar esas baterías, aunque en las versiones extras que versiones posteriores grabó Trym Torson (que venía de Enslaved), el bajo Jonas Alver, quien se quedó hasta el siguiente disco y los teclados de Gypsy fueron grabados por Charmand Grimloch, aka Joachim Rygg y Jy Arr, quien después de una exitosa carrera como compositor para televisión noruega, se fue para Estados Unidos, logrando componer para muy conocidas series y películas como CSY: NY y How I Meet Your Mother.

Este disco alcanza el puesto 14 en Rate Your Music para el año 1994, duro considerando que es liderado no sólo por Illmaniac de NAS sino por Dummy de Portishead, The Downward Spiral de Nine Inch Nails, The Blue Album de Weezer y otro clásico, esta vez del noise, post-hardcore y math rock, Yank Crime de 

Drive Like Jehu, mientras al mismo tiempo venció a Superunknown de Soundgarden, Hvis lyset tar oss

de Burzum y Transilvanian Hunger de Darkthrone. 

Sputnikmusic lo pone mucho más arriba, en el séptimo puesto de 1994, en este caso venciendo a Portishead y Weezer pero aún detrás de Jeff Buckley - Grace y Kyuss de Welcome To Sky Valley, aunque aún venciendo a Burzum. Un año difícil para encumbrarse en el metal extremo, pues también salieron Wildhoney de Tiamat, De Miistherys Dom Sathanas de Mayhem, Tales From The Thousand Lakes de Amorphis y Ceremony Of Opposities de Samael.

Definitivamente, 4,7 de 5 a pesar del sonido horrible de los primeros temas. En Spotify.

Diario musical 10D: mathcore electrónico gringo, black metal atmosférico suizo, hip hop sureño/cloud rap, jazz contemporáneo y mucho metal rumano: progresivo, death/doom y power sinfónico

0. Termino de escuchar Gleemer y aunque anoche dije que sonaba a otra banda vintage de los 90, estos últimos temas suenan a algo muy bueno en interpretación, con capas de voces, guitarras soñadoras y mucho ambiente nostálgico y reflexivo. Tocará escuchar de nuevo para saber si le doy más o menos de 4 de 5.

1. the death and birth of an angel de fallingwithscissors: cuarto disco de esta banda de mathcore / metalcore / rock electrónico, enfocado en el caos musical con sonidos bastante densos, en que lo digital y lo analógico se entrelazan, como una especie de electronicore envenenado con cambios repentinos, frecuentes y demenciales. Según su perfil en Bandcamp, son una banda de cybergrind, screamo y post-hardcore de Minnesota, al que lo bañan en mucho jungle y drum n bass. La escucho muy bien, 4 de 5. En Spotify.

2. Eiger de Aara, black metal atmosférico, bastante influenciado por los noventeros clásicos, con grandes riffs que mezclan con death y doom para temas bastante largos, una batería prodigiosa y mucha reverberación para dar ese ambiente de aire libre y oscuridad en medio de los bosques. Arreglos de folk y teclados complementan el aprendizaje acumulado con Bathory, Burzum, Summoning y Dawn, aunque claramente también Cradle Of Filth y otras bandas vampíricas. Son suizos y quiero escuchar más para diferenciarlos, por ahora, 4 de 5. En Spotify.

3. King of the Mischievous South de Denzel Curry: un compilado de un artista de hip hop que no conozco tanto como quisiera, así que le di una oportunidad. Buen disco, aunque menos en las partes con trap, aprecio mucho aquello dea prender más de Cloud Rap y southern hip hop. Le pongo un 4 de 5. 

4.Ou Phrontis de John Zorn: Dice la descripción oficial de este disco: "Ou Phrontis significa "A quién le importa" en griego. Inscrito en el dintel sobre la puerta de la cabaña de T.E. Lawrence en Clouds Hill, simbolizaba un lugar donde Lawrence se sentía como en casa, libre de las preocupaciones del mundo. Este cuarto CD del dinámico trío de piano de Brian Marsella, Jorge Roeder y Ches Smith (Suite para piano, The Fourth Way y Ballades), presenta ocho desafiantes composiciones de Zorn inspiradas en la filosofía estoica y la ciencia. La interacción telepática y el virtuosismo de estos notables maestros musicales se exhiben aquí en su totalidad: una impresionante colección de música que te hace pensar tanto como te hace sentir. Jazz contemporáneo maravilloso. 5 de 5. En Spotify.

5. Nomad de E-An-Na. Ya se había adelantado en el EP 365, el folk metal particular de esta banda rumana, que combina rap metal, metalcore y world music en una fusión desafiante publica otro disco increíble, porque es pesado y diverso, con growls de death metal, cánticos de Medio Oriente y varias otras variantes vocales, entre guturales, rap y voces operísticas / folk, así como influencias del djent, el rock electrónico y el metal progresivo más una orquestación increíble, muy bien producida, que incluye instrumentos de Occidente y Oriente. 

A veces me recuerda a Trepalium, a Myrath, a Diablo Swing Orchestra, a Orphaned Land, a Bloodywood e Ignea, todas juntas, porque a veces es mucho música del mundo, otros es rap con voces guturales, otras veces es metal progresivo con influencias folk y mentalidad de ska, otras es una mezcla de géneros para que brilla su vocalista con sus cánticos árabes. Un discazo, 4,8 de 5. En Spotify.

6. The Liberty Cland de The Silver: uno de esos raros casos de discos que están en Youtube (y en Spotify) del que se sabe poco o nada. Es un disco de jazz tradicional, hasta donde entiendo el género, con una portada genérica de cuatro jóvenes sentados en una acera como en un anuncio de ropa. Dato muy curioso, todos los temas son de 2:06, 2:07 y 2:08 minutos, y casi todos se cortan con un silencio como de un segundo de forma repentina.

7. Pseudo de Symphress: la alegría de conseguirse bandas prácticamente desconocidas gracias a otras. El cantante de E-An-Na está invitado en una canción de esta extraordinaria banda de jazz-rock progresivo con metal sinfónico, aunque en este último se notan más las carencias en producción y sonido, así como en el ensamblaje con el resto de la propuesta.

El septeto, que luce como una reunión de músicos de orquesta, folcloristas, góticos y rockeros intelectuales, con un metalero a la cabeza, recurre ampliamente a lo instrumental, representando parte de las identidades nombradas. Así hay momentos con mucha instrumentación folk, otros de arena rock con voces pop, bajos densos que hacen giros y piruetas junto a ritmos complejísimos de batería, riffs de shred y rock setentoso/celta que abre agujeros negros para el viaje espacial y del alma. Un 4,3 de 5, porque el sonido y la producción deben mejorar mucho. En Spotify.

 

8. Endless Winter Nights de Umbersun: más metal rumano, en este caso un debut de death/doom atmosférico, con un sonido imponente, que deja caer martillos de concreto sideral sobre la tierra. Sus riffs, sincopados con la batería, envueltos en grandiosos arreglos orquestales y ambientales con acompañadas por demoníacas voces que combinan la profundidad del abismo con un growl más melódico, más bien death/black, que suena a cadenas que se arrastran. 

Los arreglos monstruosos de soundtrack de terror, aplastantes nubes de sonidos y sonidos góticos terminan de dar forma a una orquesta de la penumbra, bastante dinámica, poderosa y envolvente. Tiene muchos temas largos, que superan los 10 y 11 minutos, en que con una genial balance de lentitud y dinamismo, se presentan temas que atrapan como un red de araña de convergencia musical. Gran trabajo de la vocalista de Symphress en los momentos justos.

Esto no lo digo solo por ser una de las pocas bandas de doom metal que puede entretener por sus extensas composiciones sin sonar monótonas o demasiado introspectivas, sino por el uso inteligente de los sintetizadores y el bajo, por el trabajo casi artesanal de la batería y los logrados riffs que permiten navegar por distintos momentos y escenas, sin excesivos ciclos ni quietudes innecesarias sino ser pasmosamente melódicos sin dejar de ser pesados ni extremos, sino también por los detalles góticos que no secuestran el sonido a lo quejumbroso o lo industrial sino son partes decorosas de un todo metalero. 4,6 de 5. En Spotify.

9. Metal Okkar de Dark Æclipse: es raro pero este disco 2024 no está en Metallum, que los califica como black sinfónico aunque en su Bandcamp dicen ser power/doom y black melódico. Este disco, de versiones de bandas que los inspiraron, muestra una soprano profesional y un terrible vocalista masculino, el primer tema, Kali Yuga I & II de Therion, suena demasiado a principiantes, y los quité en el segundo porque daban pena, especialmente el cantante. 1,5 de 5.

10. Remember to Die de Maesün, debut de esta banda internacional (Alemania, Rumania, Reino Unido) de power sinfónico en la que estuvieron (y grabaron) hasta 2024 el guitarrista y la cantante de Symphress. Geniales riffs y cortes de guitarra, una voz femenina sosegada pero afiliada, que le hace honor a diosas como Doro, junto a elegantes estructuras en las canciones, que además incursionan en lo progresivo por momentos, con temas a mid-tempo le dan un aire diferenciador al power metal, que aunque bastante orquestal y con riffs envalentonados, solos extravagantes y mucho gallop, evita lo épico y lo fantasioso para concentrarse en temas cantados con arpegios y cambios de tiempo enriquecedores, así como en pioneros del hard rock y el thrash progresivo, gracias a un bajista hábil e inventivo, para una propuesta concentrada, enfocada en interpretar de forma prístina y con precisión láser, casi minimalista. Tenía tiempo sin divertirme tanto al intentar guitarras de aire. El disco cierra con una bastante buena versión de la rockanrollera Fix My Heart de Voivod.

Muy bueno, 4,5 de 5. En Spotify.

Diario musical 7D: kárate, velitas y lo nuevo de Dewolff, psicodelia sureña holandesa, un poco más sureña esta vez.

0. Estaba en el examen de ascenso al 5to kyu en karate shotokan, que acá es la cinta morada. Me duelen muchísimo las piernas. Me equivoqué en el paso atrás con yako suki y la defensa age uki, pero me dijeron que tenía "mucho espíritu" (kimé) y miraba hacia donde debía. Hoy es el Día de Velitas, así que no escucharé mucha música.

1. Muscle Shoals de DeWolff: los holandeses psicodélicos me gustan desde que los conocí, con su mezcla de blues rock, psicodelia y algo de power pop, que los hacen encantadores, vintage y estimulantes. En este caso, se acercan más al rock sureño, y a pesar de los pianos blueseros, también hay unos temas más ambientales y menos guitarreros, aunque siguen siendo positivamente muy retro. 4 de 5. En Spotify.

Viernes de estrenos, lo que escuché el 18 de octubre: black metal kautrock, death progresivo nosiy, post-rock hardcore, post-metal gótico, trap emo, drone rock, screamo pop-punk, garage psicodélico y sludge / mathcore de los músicos de Awolnation

1. And Now I´m Just Gnashing My Teeth de The Barbarians of California (2024): disco debut de esta banda de punk fusión de noise, sludge, post-hardcore, metalcore, mathcore y rock alternativo muy bueno, con voces gritadas entre el screamo y el stoner metal, más música que varía en intensidad, potencia y distorsión entre los géneros pero que no parece una amalgame imposible ni que cambian entre canciones, sino que tienen muchos recursos en el universo del punk/metal. Aunque mayoritariamente suenan como un Chat Pile con AFI también hay algo de thrash crossover.

El cuarteto está conformado por tres músicos de Awolnatio, Aaron Bruno (cantante) en voz y guitarra, Zach Irons  en guitarra y coros e Isaac Carpenter en batería y guitarras junto con Eric Stenman (productor, ingeniero de mezclas) en guitarra, bajo y coros. Tienen de invitados a Tim McIlrath, cantante/guitarrista de Rise Against (melodic hardcore / rock alternativo), a Rick Rodney (cantante de Strife, hardcore punk) y a Daryl Taberski (cantante de Snapcase, hardcore). Es un sólido 4,5 de 5. En Spotify.

2. Kill Kill Kill Oh Telephone (2024): otro debut punketo, desde Suiza (con el corazón en Califronia) en este caso, de punk / garage psicodélico, aunque escucho mucho surf, rock n roll y algo de noise. Un par de ellos venían de una banda anterior, Outta Mind, que en 2017 editaron un disco de rock alternativo. Me gustaron bastante, un 4 de 5. En Spotify.

3. Blue Hour de Real Friends: screamo / post-hardcore, suena al emo del 2000 con más gritos, desgarradores y potentes, buena voz limpia pero genérica. Ellos se califican como emo / pop-punk pero creo que son un poco más ruidosos que los compañeros de género(s). Son de Tinley Park, Illinois, Estados Unidos. 

Me gustó, 3,8 de 5 porque tampoco me parecieron súper originales pero buenísimos en performance.

4. Teaches Dust To Reason de Alexander Gregory Kent: disco de dos temas larguísimos, de 25 y 29 minutos, de post-rock con ambiente y drone, a lo que no le encuentro totalmente el sentido musical. Este proyecto del cantante y guitarrista de Sprain no me gustó tanto como el disco de título imposible: The Lamb As Effigy Or Three Hundred And Fifty XOXOXOS For A Spark Union With My Darling Divine, uno de mis favoritos del 2023, de slowcore con decenas de instrumentos exóticos.

5. Miserymaker EP de nothing, nowhere., la banda de indie rock / hip hop / emo presenta un EP en 2024 más bien regular y repetitivo, mucho más enfocado al trap gringo, con unos pocos elementos de rock pero que ha tenido mejores momentos en sus combinaciones de emo, trap y hip hop e incluso con country y punk.

6. Vértice de Sinistro (2024): post-metal / doom /sludge bastante gótico, épico y cantado en portugués, con una gran producción y sonido, una extraordinaria cantante, guitarras poderosas, en varias capas, y atmósferas cuidadas. Son de Lisboa, Portugal y su cantante, Priscila Da Costa, criada en Luxemburgo, entró para este cuarto larga duración (además de un disco en vivo), pero tiene dos proyectos propios: Ptolemea de pop rock / rock alternativo y Judasz & Nahimana, de folk abstracto, mientras que tres de los otros músicos tienen una banda de grindcore llamada Besta.

Discazo de apenas seis temas, todos entre 7 y 10 minutos. Fácil un 4,5 de 5. En Spotify. 

7. Everlasting Gaze EP de The Armed: la banda de punk / hardcore se mandó unos tres temas algo raros, primero una balada, luego un tema más cercano a lo que hace Full Of Hell, con mucho noise y electrónica, pero desde el hardcore punk y terminan con algo parecido a un post-rock electrónico, también que parece influenciado a partes iguales por el grindcore y el folk indie. Interesante pero confuso, 3 de 5.

8. Harmony in Discord EP de The Judge the Juror. Inusualmente, una banda de thrash / death progresivo con temas cortísimos, de entre 3 y 4 minutos, haciendo este EP de tan sólo 15 minutos. Acá cabe el noise, los shrieks, experimentación vocal y casi cualquier cosa dentro del espectro avant-garde del metal extremo progresivo. Para estar alertas, 4,2 de 5. En Spotify.

9. Lux de Aluk Todolo, séptimo disco de una banda francesa de black metal psicodélico, noise, space rock y kautrock que desconocía totalmente. Muy parecidos a Oranssi Pazuzu y Blut Aus Nord, pero se definen de forma simple como Occult Rock, con los nombres de sus canciones compuestos por círculos de distintos tamaños y su propuesta artística mística y ocultista. Admito que veo difícil identificar las bandas de kautrock, porque muchas bandas europeas de black metal / metal extremo progresivo o avantgarde parecen tener esta misma filosofía de usar otros elementos distintos al jazz y la música clásica, con sus instrumentos folk y experimentación sonora y con música electrónica, que se superponen, siendo casi redundantes. Por algo en el último disco de Oranssi Pazuzu (2024) tienen a Tangerine Dream de invitados en una canción.

Un buen disco, pero no puedo dejar de compararlo con los finlandeses, a quienes creo más creativos, profundos y más que nunca, bien producidos y maduros. Sin embargo, quiero mucho más porque sí incorporan jazz, black avantgarde, death progresivo y logran grandes atmósferas, cambios de ritmos y momentos muy lúcidos. En Spotify. Les doy un 4,2 de 5.

Lo que escuché el 17 de octubre: drum n bass, industrial y la música de la obra teatral London Tide por PJ Harvey

1.  Kaleidoscope de TURQUOISEDEATH. Empiezo el día con electrónica, una mezcla de Drum n bass, breakbetas y dream pop, de temas largos y suaves, muy ambientales. Son de Londres, Reino Unido. 4 de 5, fácil.

En Spotify.

2. Single nuevos de Arch Enemy, buenísimos. Alissa White-Gluz mejor que nunca y la música suena potente, con mejor producción e incluso toques orquestales de fondo.

3. Rats Wars Ultra Edition: Power Electronics, Noise e Industrail en este disco que invoca, homenajea y potencial el revival de la electrónica más oscura de los 90 con NiN, Rammstein, Wumpscut, Ministry y Front Line Assembly, por nombrar algunos. En Spotify. Yo le pongo 4 de 5.

4. Empecé el disco London Tide, una obra musical clásica con la música de PJ Harvey.

Día ocupado, eso fue todo.

Lo que escuché el 16 de octubre: black metal avantgarde, lo nuevo de Offspring, deathcore brutal e indie folk

1. Nuevo single de Thy Catafalque, un black metal / jazz avantgarde de Hungría que escucho con devoción hace cuatro años. Su nuevo disco sale el 15 de noviembre. Esto seguro será entre lo mejor del año, de los tres temas que he escuchado.

2. Behelit EP de Slaughter To Prevail, deathcore poderoso y brutal, de sonido grandilocuente. Con Alex Terrible invitado en un tema. 

3. The Cost Of Giving Up EP de Poppy: metalcore / pop bubblegum / black metal, según sea el tema. Menos electrónica, más logrado y cerca de los géneros metaleros.

4. Singles nuevos de Porridge Radio: indie / rock alternativo / folk de Reino Unido.

5. Supercharged de The Offspring, el llamado neo-punk que era esa mezcla de pop punk con rock alternativo. No es su mejor momento, aunque siempre se disfrutan estos regresos. Me gustó el tema Truth In Fiction, punketico, de apenas 2 minutos.

6. Mister Sister Fister EP de Infant Annihilator: brutal deathcore técnico, entre Florida, Estados Unidos y Yorkshire, Reino Unido, haciendo un EP de versiones de esta banda a la que pertenecían el baterista y el guitarrista con otro cantante, invitado en esta producción y con el que todos juntos tienen Black Tongue, una banda de deathcore con el que no editan nada desde Nadir de 2018. Muy bueno, sin saber cómo sonaban antes, 4,3 de 5. Me gusta mucho esta banda.

7. Dos singles de Postmortem Promises: brutal deathcore. 4 de 5, prometen mucho.

8. Omniverse Consciousness de Doedsmaghird: black metal avantgarde, con breakbeats, muchos efectos ambientales y de coros femeninos, totalmente atmosférico. Proyecto alterno de Vicotnik (Yusaf Parvez), cantante de la banda noruega Dødheimsgard, en una especie de ópera black metal cósmico, con muchos efectos electrónicos, entre lo orquestal y lo conceptual. Muy, muy bueno, 4,8 de 5. En momentos parecido a Ulver viejo y Arcturus.

Lo que escuché el 15 de octubre: kautrock hippie de Suecia, indie progresivo psicodélico de Brooklyn, hardcore metálico, math rock indie de Canterbury, screamo japonés, death progresivo avantgarde francés, blues rock y lo nuevo de La P Eléctrica

1. Blue Garden de Delta Sleep: empezamos este día con un cuarteto de Canterbuty, Reino Unido, que se define como de math rock, pero suena más bien a una versión más pop rock / emo / post-hardcore progresivo muy melódico, cálido, casi purificador, muy orientado a la guitarra y con distorsión suave, que alcanzan al apelar a elementos del progresivo y el math rock pero aligerados con rock alternativo, folk rock e indie, así como voces salidas del britpop . El resultado tiene una una vibra muy noventera, optimista, misteriosa e intrigante.

Para mí, 4,4 de 5, con momentos mucho más altos en algunas canciones como en el tema "A casa" y "Sunchaser" donde hay más arreglos progresivos, intrincados y cambios de tonos/tiempos, pero que a veces parece perderse la oportunidad de ser más progresivos, lo que suena muy purista de mi parte. Me preguntaba qué tan común es combinar el indie con el math rock, así que encontré que hay un posible microgénero llamado mathy indie o indie math rock.

En Spotify.

2. No Control de Torena, que suena a un death/hardcore vieja escuela con toques de thrash y crossover, no demasiado logrado. Según ellos, metallic hardcore. Es un hijo bastardo de Prong con Obituary. Digamos que un 3,2 de 5 porque lo hacen bien.

3. Feats of Engineering de Fantasy of a broken heart: indie progresivo rock psicodélico, con un sonido de orquesta folk, expansivo y bien indie que termina siendo fascinante. Y es que se tomaron siete años desde su fundación, pero desde la pandemia más en serio, para producir este debut en manos de Al Nardo y Bailey Wollowitz, radicados en Brooklyn, Nueva York. Otro disco que se compone de dos partes, como un cerebro. 

Al principio son más indie pop con toques progresivos, pero en la segunda son mucho más expansivos y experimentales, con toques indie. Melotron, teclados, cuerdas, allí van encajando todo con sorbos de neo-psicodelia y dream pop, en un resultado original y novedoso, magistral. El tema final es toda una suite, de casi 7 minutos, que une los dos mundos en partes cambiantes.

Les pongo 4,6 de 5. En Spotify.

4. Goat de Goat: psicodelia con voz femenina punketa, que se va transformando en una especie de canción ritual, tribalista y hippie, con mucha onda orientalista. Son de Korpilombolo, Norrbotten County, Suecia. Su disco es muy bueno, parece una inmersión de ayahuasca o LSD en el folk rock experimental de los 60, en pleno Verano del Amor. 

Algo de progresivo, algo de kautrock (claro), mucha instrumentación no tradicional y un formidable disco, lleno de espiritualidad y misticismo, world music y alternativa, que se lleva fácilmente un 4,5 de 5. En Spotify.

5. Eunoia de Envy: vaya, definirlos está bien retador, porque hay arreglos orquestales, voces screamo, algo de post-rock y hardcore, pero incluso fraseos de hip hop / narración. Según Sputnikmusic son una de las bandas más conocidas del hardcore/screamo de Japón, pero también los clasifican como post-hardcore, emo y post-rock.  Octavo disco desde su debut en 1998, con de dos a cinco años entre cada uno.

Un disco más experimental que dentro de los "límites" de unir media docena de géneros, interesantísimo. Estoy puliendo mi algoritmo, que es como, música rara + metal + cosas que nadie más une. Este disco es un sólido 4,2 de 5. En Spotify.

6. Insomnia de Exhaurio: un complejo, misterioso y brillante avant-garde y progresivo thrash / death / black de Poitiers, Nouvelle-Aquitaine, Francia. Su estilo está altamente sazonado con pasajes de cuerdas con tonos medievales, flamencos y góticos. También usan coros épicos nórdicos, blast beats furiosos y riffs de speed/black, para lograr la riquísima esencia brutal de lo que ellos definen como Progressive Blackened Thrash, definición que se queda corta para lo que hacen, que se alimenta solos de guitarra disonantes, psicodelia, largas suites con cambios de ambiente, baterías doom/black aplastante y una voz agria que permanentemente narra desgracias y cansancios existenciales. 

Discazo, con un 4,7 de 5. En Spotify.

7. Shades Of Blue (Overdrive) de Joe Bonamassa: guitarrista de rock n roll, jazz, blues y hard rock que me encanta. Buen disco, 4 de 5 para este disco de 2014 de blues rock. 

8. Automatron de La Puta Eléctrica: hard rock venezolano que nació bajo la etiqueta de "a go go maldito". Ahora, después de pasar por España por varios años y estar desaparecidos, Norton Pérez (guitarra y voz) y José Miguel De Robertis (batería y producción) desde Finlandia y México traen este disco, combinando temas nuevos y reversiones de clásicos, con el single Reloj de arena. 4,5 de 5 porque Viva Venezuela en esta mielda, caballero.

En Spotify.

Lo que escuché el 14 de octubre: rock n roll, punk, metal progresivo y rock progresivo regularsón, melodeath/black y black/death modernos súper buenos, post-metal experimental, death/doom y synthpop experimental

Las letras en inglés son para mí de las características menos atractivas de la música, así que hay muchos cantautores que no aprecio porque mi oído prefiere la música, pero como siempre, hay excepciones.

Así el 1 del día de hoy me sorprendió mucho, es See You at the Maypole de Half Waif, una propuesta de indie y synthpop experimental de la cantante Ananda Rose "Nandi" Plunkett, radicada en Nueva York y de madre india nacida en Uganda. En este caso, la claridad expansiva del sonido electro-acústico, el vocoder en su voz y la fuerza emocional de los arreglos me cautivaron a la primera oída sin apena saber o interesarme por las letras.

Su voz es claramente influenciada por las grandes voces de la balada pop gringa, pero también escuchas algo de Roxette y Dolores O´Riordan, con algo de folk europeo, en las entonaciones y música, dándole un color europeo a su música, lejos de ser o parecer country sino más ancestral sin ser celta ni medieval sino contemporáneo. Half Waif significa como "niño medio abandonado" quizás en referencia al divorcio de sus padres mientras era sólo una niña, mientras que el Maypole es muy similar al baile de las cintas y el palo del sebucán que conocemos en Venezuela, fácil de enredar pero casi imposible de desenredar, permite celebrar la llegada de mayo.

En Spotify.

2. Crown Of Thorns de The Crown: black/death metal, furioso y elaborado. Una bestia sueca bien conocida en el ambiente de la música extrema, especialmente desde el Cobra Speed Venom. Thrash, death y melodeath en una propuesta con grandes rasgos vocales, arreglos perfectamente acoplados, solos poderosos y batería arrolladora. Como adelante el nombre del disco, sus canciones están llenas de temas anti-cristianos y destaco que también se preocuparon por un sonido prístino en una producción que destaca el resultado global por encima de instrumentación o distorsión, con un resultado asombrosamente conceptual y cuidadoso, especialmente para metal no experimental.

Por ahora, 4 de 5 porque me relaciono con los temas pero no son tan memorables ni distinguibles. Lo mejor es la segunda guitarra y la batería, hay buenísimos arreglos, potencia y suena a montones de bandas antes de ellso, pero nada que me haga recordarlos especialmente, salvo el logro de producción. En Spotify. Los bonus track están brutalísimos, especialmente Mind Collapse.

3. In Splendor Below (2019) de October Tide (Suecia) que me acabo de perder en Bogotá y es una de mis bandas nuevas favoritas. Un death/doom con algunos escarceos progresivos pero apenitas, porque está conformado por dos guitarristas ex-Katatonia que hizo el camino contrario. 4 de 5 de nuevo.

4. De lo mejor de la lista 2024 de Sputnikmusic, From Low Beams Of Hope de Pijn, post-metal y post-rock experimental al máximo de Reino Unido: algo como Thank You Scientist con algo de noise rock. Bello y brutal al mismo tiempo, con apenas 4 temas muy largos y elaborados, de entre 9 y 13 minutos, suenan como una versión perversa de Godspeed You Black Emperor!, me encantó 5 de 5, es lo mejor de esta banda hasta ahora. En Spotify. 

5. SQR de Playsonic, suena a techno downtempo, chévere para pasar el momento. Tampoco soy demasiado conocedor de los géneros de la música electrónica. Le pongo 3,8 de 5.

6. Obsidian Mantra: black/death brutal de Polonia, con un sonido impecable a pesar de guitarras que suenan como sierras poderosas y una batería casi grindcore, buena voz gutural más contratiempos y algunos arreglos disonantes que los hace casi progresivo (esas guitarras así extrañas me encantan). Diría que 3,8 de 5 porque no aportan nada novedoso a pesar de la calidad interpretativa. En Spotify.

7. The Crescent King de Livlos: extraordinario y malvado melodeath de Dinamarca, inyectado con black, que en su tercer disco logra una versión repotenciada del género, gracias a una voz de altísima factura que jamás deja el gutural y muchas guitarras elaboradas, sobre una batería elaborada y un bajo inmenso, que sirve para parir una versión más cruda y oscura del género creado en Gotemburgo, sin las clásicas dobles armonías de guitarras del heavy metal y a un tempo un poco más lento, que junto al uso perenne del shriek, les permite sumar ferocidad y oscuridad, porque no tiene teclados, interludios, efectos ni voces femeninas 

En el tema Usurpers, el mejor para mí, la voz se acerca al gótico/vampírico más contemporáneo y la música está más cercana al punk / speed. Además, abren una segunda parte del disco, una tendencia que me encanta, que se abre a enfoques distintos, más experimentales. En este caso, el tema Scourge of the stars escuchamos una leve pero más cercana referencia a At The Gates, con baterías más crudas, en 4x4 del hardcore y riffs ligeramente más melódicos. El tema Throne Of Cosm es sublime, con arreglos de pianos, teclados y bajo, más una batería pausada que juega con el ambiente y unos gritos/narraciones angustiosas y casi depresivas.

Además, me gustó mucho la portada y el logo.

Mi puntuación 4,4 de 5. En Spotify. 

8. Revised Reality de CrowsVsRavens, metal progresivo que usa una voz lírica de calidad regular, un poco plana pero con algunos momentos brillantes, y una gutural de baja calidad, con oscilantes temas en interés que entrelazan arreglos más o menos intrincados e interesantes de teclados, bajo, batería y guitarras. El proyecto parece concentrarse en usar los elementos propios del género, con cambios inusuales en tiempos, atmósferas y tonos pero sin definir una narrativa musical propia. 

Muy genérico y detesto la voz: 2,3 de 5.

9. No Obligation de The Linda Lindas: banda de punk / garage femenino, pero con algo de hardcore y power pop. Me pareció divertido, juvenil (pero no demasiado) y enérgico. Un 3,7 de 5 fácil. Cuarteto de Los Ángeles, California conformado por Bela Salazar, Eloise Wong, Lucia De La Garza y Mila De La Garza, quienes se definen como "mitad asiáticas, mitad latinxs" y una banda de "dos hermanas, un primo y su amiga más cercana". Las hermanas de La Garza aparecen en el disco Age Of Unreason de Bad Religion haciendo coros.

En Spotify.

10. Inner Darkness EP de 10 Years: son de  Knoxville, Tennesse, dicen hacer hard rock, metal y rock alternativo, pero suena como a una especie de Tool rebajado, de menor categoría con mucha influencia de bandas de rock alternativo, nu-metal, alternativa y grunge de los 90. Tienen a al quinteto femenino de metalcore Conquer Divide de invitadas en el primer tema.

Un poco flojo conceptualmente, sin originalidad, aunque cumplen en el performance. Diría que un 3 de 5. Me gustó mucho más su tema final, The Trench, con unos shrieks que no habían usado en el resto de las canciones, pero en general cumplen un poco con la nostalgia. Pendiente de otros discos anteriores con buenas reseñas.

11. The Hard Quartet (homónimo, 2024). Rock n roll revival de un todos estrellas del indie californiano: Stephen Malkmus (Pavement, the Jicks), Matt Sweeney (Chavez, Superwolf), Jim White (Dirty Three) and Emmett Kelly (Cairo Gang, Ty Segall). Un proyecto que parece sólo por diversión, aunque tiene temazos como Renegade, más cercano a The Jets que a The Strokes. Lo escuché por la mitad, pero diría que 3,2 de 5, porque apenas parece un capricho más que otra cosa.

En Spotify.

12. Color Cycle de AVSR: extraño death progresivo, que parece parecerse a bandas como Arcturus, Unexpect o The Covenant, pero con una voz a medio camino entre hablada y gritada, coros con voces limpias del folk metal, complejos arreglos atmosféricos de teclados con guitarras sucias que parecen rotar y girar alrededor de distintos géneros como groove metal, industrial y el thrash, con mucha influencia de Devin Townsend así como Borknagar pero de forma desordenada e inmadura.

Al mismo tiempo suena tan crudo, casi tribal, que es difícil precisar si se trata de una producción deficiente o la intención de sonar muy rudo, casi básico, porque repentinamente algunos instrumentos o las voces suenan en distintas frecuencias, como errores en la masterización o una juxtaposición mal lograda. Aún así, la idea central es interesante aunque suena a un muy pobre Between The Buried And Me, pero hay potencial porque las voces limpias son muy buenas, las armonías son sólidas y hay buen performance, con composiciones altamente potenciales pero que no terminaron de grabarse bien o de acoplarse como un proyecto solista sino que pretendió registrarse como si fuese una banda completa.

Es una one-man band del finlandés Antti Rautapää. 

Lo que escuché el 12 de octubre: lo nuevo de Çantamarta, jazz fusión, metalcore progresivo, black death sinfónico, post-black metal, música de cámara contemporánea, death/trash progresivo avant-garde, hip hop paisa, power melodeath y metal progresivo español

 1. Dance, No One's Watching de Ezra Collective, una banda/colectivo de Londres, Reino Unidos de jazz fusión bailable, con muchas trompetas, acid jazz y el hip hop, donde caben también el reggae, la salsa, el afrobeat y muchísimo calipso, es una fiesta, un carnaval, con elegancia y belleza. En este disco, que suena como grabado en vivo tocan una decena de invitados entre violinistas, violistas, guitarristas y trompetistas, además de unos 12 músicos acreditados por "palmadas" (handclaps).

Una pieza increíble, 4,5 de 5.

Enlaces: Sputnikmusic. Bandcamp, Spotify, Instagram.

2. Auxesis EP de Maitreya (2024), banda de metal progresivo / djent de Ontario, Canada. Tienen discos de 2017 y 2021. Se pueden escuchar influencias del post-hardcore y el space rock.Con buenísimas voces limpias, que me hacen pensar en bandas de Vulture Industries, Queen y Tesseract. También tienen unos pocos guturales interesantes. Muestran una gran calidad interpretativa para hacer una especie de ópera metal (pues hasta incluyen alguito de industrial, reggae y psicodelia) que también recuerdan a las suites de Between The Buried And Me.

Buenísimos, 4,7 de 5. Quiero saber más de ellos.

Enlaces: Metallum. Spotify, Bandcamp (donde los relacionan con Polaris, Teramaze, The Contorsionist y August Burns Red), Instagram.

3. Return To Dusk EP de Oppose The Sun. Debut de esta banda australiana de black/death sinfónico. Brutalísimo, potente, con voz brutal y mucha furia y velocidad. El bajo distorsionado me cae bien. Incluya al baterista Robin Stone (Ashen Horde). 4,5 de 5.

Enlaces: Bandcamp, Instagram, Deezer, Spotify.

4. Hegemon of cold seas de Realm of Wolves. Esta banda de post-black metal es curiosa, porque suena como un black/melodeath, algo viking/folk y algo shoegaze/post-metal, pero sin serlo completamente. Entonces usa melodías en tonos mayores, casi alegres y digeribles, no demasiado complicadas, pero con tremolo picking pero con los otros elementos de metal tradicional muy claros, aún no totalmente incorporados. Eso no les resta, les da cierta originalidad, quizás inesperada, que incluye hacer shrieks góticos.

Me recordaron más a Alestorm pero menos festivos o irónicos que a Alcest, porque no son tan melancólicos y nada expansivos. Son de Hungría, este es su segundo disco (2024) y se describen como post-black metal atmosférico, aunque creo que es más aspiracional que logrado, sin disminuir su propuesta, interesante y bien lograda. El primer tema suena con una batería y guitarra en mala calidad, pero se corrige luego. La mezcla es algo cruda, con el bajo sonando progresivo y la batería muy en vivo, que ayuda a la sensación viking/folk pero no a la post.

Me gustaron: 4,1 de 5. 

Enlaces: Metallum, Spotify, Bandcamp, Discogs.

5. Melted And Decomposed de Sanctuarium, death doom mega cavernoso, bastante lo-fi. Son de Barcelona, España. Suena a los demos de Darkthrone antes del Soulside Journey. No es malo, pero no dio la talla para los larguísimos temas que prometían.

Pondré 3 de 5 porque los riffs no son malos.

6. Pasarela de Çantamarta, debut formal con un LP del grupo conformado por el cantante colombo-venezolano Luis Lozano (Luislo) y los músicos españoles Benito Casado y Omar Roldán, llenísimo de letras repletas de venezolanísimos urbanos, con temas como Las Jordan, que recuerda a la Caracas de los 90 o Pasarela, que habla de la forzosa migración venezolana. En Graffitero ofrecen "cantarte la zona" y siempre hay referencias a sus orígenes colombianos, como hablar de Maicao o el tema Juepajé, donde lanza la expresión "eché, nojoda", típica del "costeñol" que se habla en el caribe colombiano.

Abiertos a cualquier género, acá cabe flamenco, tambor venezolano, hip hop, cumbia, trap, reggaeton, rumba, calipso y mucho más, siempre con toques electrónicos y mucho sabor mestizo. Le pongo 4,5 de 5 porque es una belleza de disco.

Enlaces: Nota/entrevista en Rolling Stone en español, Instagram, Spotify.

7. Into Eternity de Aash: black metal de Hamburgo, Alemania, algo épico, con riffs melódicos y arreglos creativos, de mano del multi-instrumentista Timo Espenhahn. Las voces, entre black tradicional y algunas partes, semi-narradas, son cortesía del legendario cantante argelino Redouane Aouameur (رضوان عوامر). La banda hace muy bien su trabajo, pero sin revelar nada especial, aunque con buenos riffs, un desempeño impecable y brutalidad. 

En la escuela de Satyricon y Dimmu Borgir pero sin teclados aunque hay algunos arreglos de cuerdas, coros femeninos e instrumentos de cuerdo aquí y allá. Les doy 3,6 de 5 porque lo hacen genial, pero no hay nada nuevo en un género tan extendido. Buen logo malvado. Su mejor tema: I´m the black river.

Enlaces: Bandcamp, Spotify, Metallum.

8. Gold Town de Inti. Un muy buen hip hop venezolano, entre lo chill y el boom bap, nada gangsta. No tan logrado ni interesante como Veztalone o Tayko. Le doy 3,8 de 5. 

Enlaces: Spotify. Instagram.

9. Chaos Divine de Crow Mayhem: proyecto de metal suizo, entre el thrash y el death metal, con elementos melódicos, ambientales y sinfónicos, con Dirk Verbeuren, quien toca con Megadeth y mil otras bandas, con Laurent M 'Blast' en las guitarras y bajo. Entre los cantantes invitados están Bjorn "Speed" Strid, Nick Holmes, Benjamin Nominet (Sybreed). 

Sin desmerecer el gran trabajo de guitarras, colaboraciones y arreglos, que incluyen algunos teclados y programaciones de Thomas, de Sybredd, no me mató, pero vale la pena la oída, así que 3,5 de 5.

Enlaces: Instagram.Spotify.

10. Ep Inner de Testus: 5 temas de metalcore progresivo instrumental en 21 minutos de parte de este power trío. Algo de electrónica, mucho slap de bajo y guitarras en riffs de djent, con algunos teclados de fondo. No es Polyphia, pero es misterioso y ambiental, con un altísimo nivel. Apenas he sabido que empezaron como un dúo, son de Sevilla y tienen fascinación por los tacos.

Enlaces: Spotify.

11. Renewal of Broken Blades EP de Solstice Rider: interesantísimo power / melodeath / folk metal de Baltimore, Maryland, Estados Unidos, pero con vocalista británico y segundo guitarrista portugués del que no esperaba nada considerando la foto de la Encyclopeadia Metallum, pero me sorprendió muchísimo, con voz, arreglos, potencia del sonido y combinación de géneros, porque no muchas bandas se atreven a incorporar los tropos del power a la música extrema, quedándose usualmente con los orquestal y sinfónico. 

Con el tiempo, esta banda podría jugar en la misma liga que Omnium Gatherum, Wintersun o Ensiferum, con su power metal extremo y épico. Además, la cantante (de la que no encontré nada, es muy buena), recordando un poco al doom/pop rock de The Gathering. Les urge cambiar el logo y actualizar su página, fotos de perfiles sociales y ampliar su difusión en línea. Sin duda 4,5 de 5.

Enlaces: Metallum, Bandcamp, Instagram, Spotify.

12. La Gurbia de ZetaZeta (Zof Ziro) y El Último del Tren. Hip Hop de Medellín, Colombia. Me confundió el fraseo ibérico del principio, quizás producto de la globalización de las plataformas en línea para compartir música, hace que se imiten o fusiones acentos. Está bueno, 3,8 de 5.

Enlaces: Spotify de ZetaZeta y El Último del Tren. Instagram (ZetaZeta, El Último Del Tren). 

13. Mondestruken de Evilyn (2024), un death/thrash progresivo con toques experimentales y avant-garde, que bebe de las venas de Cryptosy y Voivod, conformando por un trío de estrellas: Robin Stone (otra vez), el bajista Alex Weber (WAIT, Exist) y el cantante/guitarrista Anthony Lipari (Thoren). Con un bajo poderoso, extrañas intervenciones de guitarra en tiempos y tonos, brutalidad vocal y constantes cambios llevan este disco, que no sabemos si llevará a más. 4,3 de 5, por supuesto.

Enlaces: Bandcamp (que lo compara con Ulcerate y Convulsing), Spotify.

14. A Century Of New Sounds: un compilado de música de cámara de compositores contemporáneos, tocado por Dover Quaret e Imani Winds. Excelentísimo, 5 de 5.

La historia acá: https://www.curtis.edu/curtis-studio/a-century-of-new-sounds/ y en Instagram acá. Lo escuchas en Spotify.

15. Chaos Alchemy de Fracture, una banda de un muy pesado thrash/groove metal de Ontario, Canadá, obra del multi-instrumentista Mike Binsted, quien además es el vocalista. Suena como Testament de principios de los 90 pero con guturales más una inyección de Death. Brandon Ellis, guitarrista de The Black Dahlia Murder se encarga de la guitarra principal en el tema Catacomb.

Enlaces: Bandcamp, Metallum, Instagram, Spotify.

16. Sprezzatura EP de Gato García: hip hop venezolano que sigo 2023 con su disco Chamo Promesa, bastante bueno. En este caso, de nuevo con Kael Henko. Boom bap para los panas. 

Lo escuchas en Spotify. Instagram.

Lo que escuché este 11 de octubre, viernes de estrenos: progresivo en acústico, grindcore, punk, rock y emo californiano, "piano pop", lo nuevo de Armenia, death/black y death progresivo melódico

1. Teracoustic Sessions Vol 1  de Teramaze (10 de octubre de 2024): versión acústica de temas clásicos de esta banda australiana de metal progresivo. No soy especialmente fan pero el cantante es muy bueno y los arreglos tienen riqueza: 3,7 de 5.

Enlaces: Bandcamp, Deezer, Instagram, Spotify.

2. G.O.A.T de ACxDC, cuarto disco (2024) de esta banda californiana de Power Violence / Grindcore con letras y temática satanista, cuyo nombre completo es Antichrist Demon Core. Ruido maléfico, muy old school aunque con un sonido decente, con algunos buenos momentos, sobre todo al final del disco de 17 canciones en apenas 23 minutos. El cantante de Undeath entre los vocalistas invitados. No me pareció tan divertido como el speed black metal satánico ni tan potente como otras bandas del género. Le doy 3,6 de 5.

Enlaces: Discogs, Bandcamp, Spotify.

3. Hard Chiller, EP (2024) de banda de Santa Rosa, California, Estados Unidos. En la onda de los géneros juxtapuestos, es una banda que suena punk y shoegaze tanto como metal alternativo y dream pop, pero con más inclinación hacia lo más doom/nu-metal tipo Deftones que a las otras influencias. Diría que tienen potencial, pero aún no desarrollado sino en su sonido, 3,3 de 5.

Enlaces: Bandcamp y Spotify.

4. EP Infinite Circuitry de Krosis, una banda de deathcore / death metal progresivo de Raleight, North Carolina, Estados Unidos. Un EP larguito, de 7 temas en 32 minutos. Voz aguda de deathcore en su primer tema, no me agradó pero los arreglos progresivos, increíbles. Segundo tema, usa trozos de ambient chill y combinaciones con teclados propios del género deathcore. Me pareció muy básico y poco original: 2,8 de 5.

5. Keep It Reel de Dwarves (2024), una especie de punk / garage rock / hardcore, oriundos de California, con mucha temática adulta, satírica e iconoclasta, política incorrecta, con algo de gore y desnudez en sus portadas. Los temas más cortos y rápidos son los mejores, los lentos y más "profundos" mucho menos. 3,5 de 5 por el concepto.

Enlaces: Discogs, Bandcamp (acá sí puedes ver las escatológicas y explícitas portadas).

6. Myles Kennedy – The Art Of Letting Go: Un muy buen disco de hard rock, del guitarrista de Spokane, Washington, Estado Unidos, más recientemente conocido por su trabajo con Slash. Excelentes guitarras y arreglos, canta muy bien aunque no es mi característica favorita de este músico con gran trayectoria. Admito que aunque tiene música muy bien hecha, no me emocionó demasiado aunque no repetiría el disco. Sólo una escuchada: 3,7 de 5.

Enlaces: Discogs. Sputnikmusic, Spotify.

7. Bello and Shem - Strawberry: una vaina horrible y que nujazz. Patético.

8. The Second Act de Missy Higgins. Una especie de Adele australiana, con un toque de pop medio country / gospel. Ella lo llama "Piano pop" aunque se escuchan más guitarras acústicas y algo de percusión que lo acerca más al indie folk. Como ella o Francisca Valenzuela, hablar de un corazón roto después de un rompimiento amargo es una fuente inagotable de profundidad poética. Pongo 3,8 de 5.

Enlaces: Sputnikmusic, Spotify. Instagram.

9. Spiral in a Straight Line de Touché Amoré (11 de octubre de 2024). Sexto disco de estas estrellas del post-hardcore / emo. Sus voces gritadas, desesperadas y rasgadas, es de lo mejor del disco, llenas de existencialismo. A pesar de esta vocalización, son sumamente accesibles. También gritan desde Los Angeles, California, como parte del movimiento llamado "revival del screamo". Su último tema agrega algo de metal, cercando al blackgaze.

Enlaces: Sputnikmusic. Bandcamp. Instagram, Spotify. 

10. Nube Gris de los bogotanos Armenia. Me gustan mucho, los vi en vivo en el Rock Al Parque 2023, son energía rockera, emo y alternativa. Súper, 4 de 5. Frase destacada: "Jugar Nintendo sin bañarse es una chimba".

Enlaces: Instagram. Spotify.

11. Terrified Of God de Vomit Forth. Segundo disco de esta banda de death/hardcore de Connecticut, Estados Unidos. Una aplanadora brutal, con temas cortos y veloces, con algunos interludios más lentos y cavernosos, voz gutural moderna y con genes de speed, black, doom y grindcore. Pura maldad en forma de música extrema con 12 temas en 27 minutos. Definitivamente 4,2 de 5.

Enlaces: Sputnikmusic.Bandcamp, Instagram, Spotify.

12. Hardwarez de Master Boot Record. Onceava producción del italiano Victor Love, quien de nuevo combina de forma muy original distintos géneros de electrónica con metal, con chiptune y el synthwave cableados junto a industrial metal o el rock electrónico, produciendo discos ricos en distorsiones, solos de guitarras alucinantes y arreglos que recuerdan a videojuegos mientras conceptualmente los nombres de canciones y discos apelan a la cultura de la informática, sus portadas juegan con la iconografía de runas vikingas dentro de placas y componentes de computadores personales.

Piensa en un hijo de Helmet con Whourkr, algo de Prong también, pero siempre instrumental. Me gusta más de lo que otras veces, porque creo que ha pulido mucho más el estilo, así que 3.9 de 5.

Enlaces: Metallum, Bandcamp, Instagram, Spotify, Discogs.

13. Influenza de Fallen Man: una banda legendaria de Sacramento, California, que mezcla thrash con casi todo el metal extremo que se le atraviese. Detesté la voz que va entre hablada, medio gritada y del rock sureño. Malísimo 1,5 de 5.

14. Weight of the World de Alias Noone, debut de la banda finlandesa de death metal progresivo melódico, con voz gutural monstruosa procesada y arreglos orquestales, ambientales y corales grandilocuentes. Discazo que recuerda un poco a Septicflesh, con estos toques góticos, aunque tiene la melancolía y voces del doom, y por segundos se escucha el sonido melódico de Gotemburgo. Hay poca información sobre la banda, sus músicos no aparecen en otras bandas y son un híbrido particular, así que recomiendo estar súper pendiente.

Enlaces: Bandcamp, Instagram, Spotify. 

Más montones de singles y temas nuevos por ser viernes.

Lo que escuché el 10 de octubre: death metal vieja escuela, punk alternativo, grindcore, power metal progresivo, doom, pop punk emo, rock latino y sludge/post-metal

Hoy, jueves 10 de octubre, en la semana de receso de la universidad, escuché los siguientes discos:

* Magic Mountain (1996—2022), lanzado el 4 de octubre de 2024 por Ceres, una banda de pop punk, emo, rock alternativo de Melbourne, Australia. Por momentos claramente influenciados por el grunge y el noise rock, tiene momentos indie y pop, siempre tiene un ambiente sombrío y emocional, con referencias culturales en temas llamados 666 y Britney Spears. Es largo sin ser extenuante aunque pudo serlo un poco menos, porque tiene 25 canciones en una 1 hora 6 minutos, que incluyen varias con guitarras acústicas procesadas, algo de folk indie. Puntuación: 3,7 de 5.

Enlaces: Discogs, Sputnikmusic (que lo asemeja con Foxing), Spotify, Deezer, Bandcamp (que lo asemeja con boygenius y Phoebe Bridgers), Instagram.

* In the Jaws of Bereavement de Maul, lanzado por 20 Buck Spin el 4 de octubre de 2024. Death metal cavernario, con algo de hardcore, de North Dakota, Estados Unidos, que bautizan su estilo como una de sus canciones, Midwest Death, quizás por su sonido más alternativo.

Un dato curioso es que son un sexteto, por tanto, tiene un cantante solista, Garrett Alvarado, también letrista, con una voz gutural rasposa como si gritara hacia adentro y Alex Nikolas encargado de tercera guitarra y segundo bajo. El cantante de The Acacia Strain, Vincent Bennett, está invitado en el primer tema. A diferencia de otros de su género y con más músicos que el promedio, el sonido es menos denso e inescrutable, con una mezcla general que destaca más los agudos que los graves, algunos shrieks -especialmente en los últimos temas- y más dinámica en sus arreglos.

Un disco corto, 10 canciones en 38 minutos. Le pongo 4,2 de 5 por esta versión alternativa del género, con más groove, arreglos y sonido.

Enlaces: Encyclopaedia Metallum, Sputnikmusic, Discogs, Spotify (que los asemeja con Undeath), Deezer, Bandcamp, Instagram.

* Prude, de Drug Church, quinto disco de una banda de Albaby, Nueva York, Estados Unidos, editado el 4 de octubre de 2024, que comparte elementos del punk, del post-hardcore y del post-punk, usando una voz rasgada, algo Oi! con teclados y guitarras ambientales, produciendo una especie de híbrido entre el pop ochentero menos comercial y el hardcore más digerible. Diría que 3,5 de 5.

Enlaces: Sputnikmusic, Spotify (que los asemeja a Militarie Gun), Deezer (que los asemeja, asombrosamente, con Turnstile, Blood Incantation, Slomosa y Nails), Bandcamp, Discogs, Instagram.

* Harmony Dies, Eraser: lanzado el 30 de septiembre de 2024, segundo disco de esta banda italiana de grindcore de vieja escuela, rápido, brutal y sucio. Su voz gutural es mitad gruñido, mitad un grito hardcore pero sin tanta potencia. Con temas cortísimos, 22 en apenas 27 minutos, recorre distintos ángulos del metal extremo, a veces parece Brujería, otros Bolt Thrower, a veces es muy hardcore punk, otros casi grindcore y en otras D-beat de los 80, pero casi siempre a los primeros Napalm Death, incluyendo un tema de 10 segundos que es apenas un grito con golpe de música y el nombre del disco. Su temática, claro, la guerra, sus armas, horrores y brutalidad armamentística. Por ahora, 3,8 de 5.

Enlaces: Sputnikmusic, Metallum, Bandcamp, Instagram, Spotify, Deezer, Discogs.

* Into the Burning Blue de Trace Mountains: no, gracias.

* Do Not Go To War With The Demons Of Mazandaran de Lowen, extraordinario segundo disco del dúo de doom progresivo de Londres, Reino Unido, conformado por el multi-instrumentista Shem Lucas y la maravillosa cantante Nina Saeidi, que me hizo recordar a la banda Lucifer, con un timbre etéreo de sacerdotiza en la época del Satanic Panic.

Enlaces: Sputnikmusic, Metallum, Deezer, Bandcamp (que lo asemeja a Oceans Of Slumber), Instagram, Spotify. Una maravilla que tiene 4,8 de 5.

* Forced Out of Existence de Greenwitch: primer disco de esta banda de Los Angeles, California, Estados Unidos, de death metal de vieja escuela, que me recordó a la escuela holandesa, un poco de Asphyx y Autopsy, un poco a Hyperdontia y Tomb Mold, con un tema final que empieza con ruido para luego tener un tema más cristalino de metal extremo. Tienen al guitarrista Miles McIntosh, de Apparition y al guitarrista Ronny Lee Marks, de Upon Stone (death metal melódico) como invitados. Sí, se parecen a Maul

Enlaces: Metallum, Spotify, Deezer, Discogs, Instagram, Bandcamp (que los asemeja con Regional Justice Center, 200 Stab Wounds y Undeath). Estuvo bien, 3,5 de 5.

* Strong Delusion de Allos, segundo disco de esta banda cristiana de power metal brasileño (Belo Horizonte) con mucho progresivo. Cinemático, con clavicordio, muy orquestal, con pequeños interludios de jazz. Muy buen vocalista que cultiva un estilo purista del género, sin gritos, gruñidos ni nada thrash, bastante épico, a medio camino entre Rhapsody y Angra. Les pondría 3,7 de 5.

Enlaces: Bandcamp, Deezer, Instagram, Spotify.

* Metaphysical Engines Approaching The Event Horizon de Hadit, banda italiana de death/black de inspiración cósmica, ocultista, densa y opresivo, aunque no llega al nivel de Deathspell Omega. Con el mismo creador de Cosmic Putrefaction, Gabriele Gramaglia.

Enlaces: Bandcamp, Deezer, Instagram, Spotify, Discogs.

* ¿Dónde jugarán las niñas? de Molotov (1997). El debut, un clásico del rock latinoamericano y mexicano.

* Ridiculous And Full Of Blood de Julie Christmas (2024), de lo mejor del año según Sputnikmusic. Un discazo de sludge / post-metal de la demencial cantante neoyorquina de Made Out Of Babies, el disco Mariner de Cult Of Luna y Battle of Mice.

Bandcamp, Instagram, Spotify, Discogs.

10 discos y un montón de singles de temas nuevos.

Vidrio, el deslumbrante debut de Titanic de Mabe Fratti y Héctor Tosta jugando con jazz, pop alternativo y experimentación sónica

Titanic es un grupo conformado por Héctor Tosta De La Rosa aka I. La Católica y la cantante y violonchelista guatemalteca Mabe Fratti, que en octubre de 2023 publicó su disco Vidrio, un viaje de art pop en que las coloridas paredes están salpicadas de jazz de vanguardia, donde juegan tanto la experimentación sónica, el noise-rock y la música académica contemporánea.

El sonido puede recordar a lo más raro del disco Revés / Yo Soy de Café Tacvba, con algo del jazz espiritual de Kamasi Washington y claros toques de pop mexicano alternativo, en los que el piano, el saxofón, el violonchello de ella y diversos instrumentos de percusión se intercambian el principal acompañamiento, en la que la voz de Mabe gobierna este imperio desconocido.

El disco tiene letras irónicas como en Cielo Falso, en la que la voz etérea me recuerda a Natalia Lafourcade y otros como Te evite, de nuevo claramente influenciados por el quinteto chilango, con una especie de folk-rock con raros sonidos de ambiente, que recuerdan a su disco más experimental.

Reinterpretándose

No es solo una forma de darle un ángulo extraño al pop y el rock mexicano. Héctor y Mabe ya habían trabajado antes. Él es su contraparte en vivo, pero también grabó guitarras, bajo y teclados en el cuarto disco solista de ella, más inserto en la electrónica, el noise y el rock, y donde también fue su productor. 

Usando los mismos músicos con el que ya se había acercado a un pop-alternativo, con toques progresivos y menos estridientes, ahora este debut está muy cerca del pop jazz, el avant-garde y la exploración de lo incidental, con un resultado peculiar: ritmo y melodía se entremezclan, con momentos en que se convierten en lo mismo, amén de un laboratorio instrumental con percusiones en escala y slaps sobre las cuerdas.

Entonces del disco solista salen también el saxofonista Jarrett Gilgore, bien afincado en la escena del free jazz y la improvisación, y Gibrán "Androide" Andrade, compositor y baterista mexicano, venido de la música hardcore, noise y rock. Una curiosidad, no hay bajo en este disco.

Lo mejor está al final, Balanza, una canción con diversas melodías vocales, mucha locura de jazz-rock, estridencias y los gritos de cada instrumento sobre una cama de alt-pop con coros repetidos y letras juguetonas, en la que la pronunciación "afrancesada" que hace Mabe de la letra R es otra caricia divertida.

El disco se puede escuchar gratis en Bandcamp acá tinangelrecords.bandcamp.com/album/vidrio

Un lingüista chino que escribe en griego antiguo es la mente maestra de Hoplites, un fino y extraordinario black/death jazz progresivo con cuatro discos en un año

Las bandas de un solo hombre están viviendo un gran momento, no sólo por su abundancia productivo sino por explorar y combinar géneros que van desde el black metal crudo hasta el post-black / shoegaze, con algo de ambient, noise y metal sinfónico. Y dentro de ese cosmos de solitarios multi-intrumentistas está Hoplites (una transliteración del griego Ὁπλίτης, verdadero nombre de la banda y que podría traaducirse al español como Soldado)

Hoplita griego

Con tres álbumes en 2023, publicados el 1° de enero, el 19 de abril y el 1° de octubre, el lingüista chino Liu Zhenyang (experto en lenguajes chino-tibetanos) exploró el black metal en combinación con el shoegaze, el death técnico y hasta el metalcore, hasta llegar al primer álbum de 2024, Παραμαινομένη (Perpetuado o Todavía estoy allí, en español) en que el se sumerge magistralmente en el black/death progresivo, incluyendo el saxofón y los pianos, los arreglos de jazz y hasta algo de electrónica, que lo acerca más a artistas como Imperial Triumphant, Aetheria Conscientia o Nullentropy.

Con sólo seis temas en 52 minutos, lo que da un promedio que supera los 8 minutos y medio por tema, la producción más reciente muestra una muy cuidada producción que permite jugar con distorsiones sucias y baterías progresivas, shrieks perversos y riffs de black metal/punk, a los que se le pueden agregar arreglos cuidadosos de instrumentación alternativa que encajan magistralmente, por supuesto, incluyendo folclóricos chinos.

A diferencia de otras bandas con obsesiones por la mitología nórdica o griega, la historia antigua y la iconografía, en Hoplites está con un dialecto del griego antiguo. Solo con el lenguaje, la gramática, la fonética, las figuras literarias. En una entrevista con Invisible Oranges Zhenyang dijo que no le interesaba la cultura o filosofía de los griegos, sino su forma de escribir y hablar. 

Y eso le dio una ventaja viviendo en China: para tocar en vivo te piden que envíes al Partido Comunista las letras de las canciones, incluso traducidas. Liu tenía miedo de lo que podían pensar, porque hace crítica social y política, pero en griego antiguo. No leyeron nada al parecer, porque le dieron el permiso. Así mismo, declaró que fundó Hoplites como un "laboratorio de riffs", alternativo a su banda Vitriolic Sage, en el cual también drenar su obsesión por los idiomas, pues él mismo habla de forma nativa mandarín y dialecto wu. Ahora vive en Francia, donde se mudó en 2022 para continuar sus estudios de maestría.

Musicalmente hay una paleta inmensa en el disco. Incluyendo el avantgarde y lo experimental, Liu explora el mathcore como complejidad compositiva, agrega interludios melódicos, apela al post-metal y al shoegaze para hacer atmósferas mientras recurre muchísimo al death jazz sofocante a lo Imperial Triumphant o Deathspell Omega, algo de hardcore punk, de doom-jazz y mucho del progresivo/electrónico de Porcupine Tree y en el fondo siempre una actitud, sonoridad o base de black metal, principal vía de comunicación del artista.

Y eso proviene de una abundancia de influencias tan gigantesca como laberíntica. En una larga entrevista con Machine Music reveló cuanta música escucha, con una extensión tan amplia como la que expresa en sus discos. Desde Trivium, revocation y Vektor pasando por las obvias de Mayhem y Emperor. Por supuestro, Vitriol (que tienen un poderoso nuevo álbum publicado el 12 de enero del 2024), pasando por Health, ZAO y varios artistas japoneses y españoles de black, death, synth-punk y hasta metalcore progresivo como The Human Abstract.

Si quieres escucharlo, gratis en Bandcamp, acá: https://hoplites.bandcamp.com/album/--8

Re de Café Tacvba, 30 años después: la obra maestra del rock latinoamericano que aún hace reflexionar y bailar

En 1994 me gradué del colegio, con apenas 16 años. Por eso años, cuando llegaba a la casa, mientras almorzaba, ponía rápidamente MTV. Entonces pasaban a Marilyn Manson, a Korn, los Unpplugged, muchísimo grunge, música electrónica, britpop, pop punk, rock alternativo y en nuestra señal: MTV Latinoamérica Norte.

Así estuve expuesto a una diversidad asombrosa de rock latino, desde programas especiales como Raizónica con los estrenos y debuts hasta la rotación fija de videos, clásicos y nuevos, como el que finalmente fue el Video MTVde La Gente de 1995: Ingrata, de Café Tacvba, en el cual Rubén Albarrán (entonces Cosme) aparecía con el cabello de rojo, con unos "cachitos" y luciendo y cantando una ranchera punk.

Así se asentó profundamente mi devoción por el rock latino que se desbordó en agrupaciones mexicanas como Café Tacvba, Maldita Vecindad, El Gran Silencio, Jumbo y Plastilina Mosh, Los Aterciopelados de Colombia y Los Pericos, Los Fabulosos Cadillacs, Fito Páez, Actitud María Marta y Todos Tus Muertos en Argentina, los chilenos de Los Tres, Los Tetas y Tiro de Gracia de Chile o Libido de Perú. 

Hace 30 años se publicó Re, producido por Gustavo Santaolalla, grabado entre Estados Unidos y México, y que la revista Rolling Stone la calificó como el mejor disco de la historia del rock latinoamericano, superando a discos de Cerati, Aterciopelados, Los Fabulosos, Os Mutantes, Babasónicos, La Maldita, Charlie y Julieta Venegas.

Realismo mágico y punk

Un disco extenso en géneros y lleno de temas ideales para ser videoclips o hits radiales. Un álbum memorable, compuesto de 20 canciones en menos de una hora, que va desde ritmos folclóricos y tropicales latinoamericanos como el mambo, el merengue dominicano y la samba mezclado con ska, punk, funk, grunge y hasta metal. Un disco en que resalta el uso de instrumentos folclóricos de cuerda como la jarana, el guitarrón y tololoche junto a multitud de instrumentos electrónicos, como el melodión (el tecladito con un tubito para soplar). 

28 años después de su lanzamiento la revista musical volvió a entrevistar a Santaolalla, quien explicó que las primeras canciones en demo le gustaron tanto, que les pidió insistentemente que hicieran más, lo que convirtió en el segundo disco de los Tacvbos en un álbum doble. Su eclecticismo, su versatilidad y su extenso universo, que también se resume en cada canción que tiene varios géneros unidos, que van desde las raíces hasta lo moderno, explora todas sus influencias. Su éxito de ventas, alrededor de 500 mil copias, lo pone a la par, conceptual y comercialmente, del White Album de The Beatles.

Después de este disco, el rock latino cambió por completo, influenció a otros, aparecieron discos de rock latino con más y diversas fusiones con géneros locales e internacionales, dando vida a una cosecha de múltiples artistas que experimentaron y jugaron, superando lo que antes era solo "rock en español". Con letras ampliamente inspiradas en la literatura latinoamericana y universal, que demuestra la intelectualidad de sus integrantes.

Las canciones

El disco empieza extraño -como fue la respuesta inicial del público mexicano- con El Aparato, una extraña crónica sobre la abducción extraterrestre de Pablo, que queda casi demente después de la experiencia, que se cuenta con instrumentación electrónica y folclórica para hacer ese juego de terrestre-extraterrestre.

Le sigue el clásico Ingrata, una ranchera punk, con una letra sexista y típicamente ranchera, fue recientemente descrita por Albarrán como producto del desconocimiento y falta de sensibilidad sobre la violencia machista. Un coro extraordinario, un himno que incluye un final con una vocalización tan heroica que se incluye la profunda respiración para terminar la infinita frase.

Le sigue El Ciclón, una de mis letras favoritas y una de las canciones más divertidas, en que se toca una especie de rap-funk con clavinete, que transmite como El Aparato, el paralelismo entre hacer una canción con un ritmo contemporáneo tocado con instrumentos antiguos o lo contrario.

Yo, flecha

Flor, polen, flecha

Abeja, oso, pez

Flecha, agua, sube, nube

Llueve, árbol, flecha

Oxigeno, flecha, pulmón

El concepto contrario parece estar en El Borrego, una confesión de alguien que dice adaptarse a la tendencia del lugar donde esté: un día es punk y al día siguiente un pacifista, le gusta lo tropical o el metal de acuerdo al circulo social en el cual esté, pero se toca con un furioso rock industrial, la antítesis de la letra.

Me gusta aventar piedras, me gusta recogerlas

Me gusta pintar bardas y después ir a lavarlas

Y en las tocadas la neta es el slam

Pero en mi casa si le meto al tropical

Le sigue otro clásico y otras de mis favoritas, el bolero Esa noche, desgarrador y cortavenas. 

Del folk se vuelve a miradas totalmente urbanas en varios temas, el primero es 24 horas, que hablan del frenesí de vivir en una gran ciudad, siempre corriendo en medio de la inmensidad, a ritmo de baterías electrónicas acompañadas de instrumentos de cuerda. Esto se recupera luego en El Metro, que con ritmos muy movidos y muchos sonidos de transporte público, parece que pasas la mayoría de tu vida yendo y viniendo, tanto que parece que nunca sales de allí y finalmente en La Pinta con algo de rock grunge, perfecto para el año de edición del disco, aunque en esta última ya no hay una nostalgia por un amor que no termina de concretarse por andar ocupado en la locura citadina.

Los temas son cortos, así que vas pasando por este collage de ritmos, colores y sensaciones a toda velocidad. En Ixtepec vuelven a combinar una perspectiva latinoamericanista, de forma más bien onírica con una melodía de instrumentos de cuerda acústicos y una base de música electrónica, arreglos midis y un coro pop, más un remate filosófico con el que se entiende este disco: todo vuelve a comenzar, volvamos a escucharlo.

Después de esta ensoñación, con la misma idea de rasgados de guitarras y algo de techno en el fondo, está Trópico de Cáncer, en que Albarrán hace las dos voces: el del empleado petrolero que decide "dejar el gris del cemento por el verdor" y el del antiguo jefe que igual humanistas e indigenistas con "retrogradistas", diciéndole que aún hay mucho qué destruir en favor del progreso. Una genialidad letrista al combinar poéticamente, y de forma ocurrente, versos que contienen palabras tan gruesas como hidrocarburos, sin sonar panfletarios sino sabrosos.

El fin de la infancia, el décimo del disco, es una canción rebelde y de actitud punk pero con música norteña, con mucho viento y ritmo bailable, que explica porqué este disco conquistó a gente como Beck -quien los invitó a una gira por todo Estados Unidos- y David Byrne -quien también se enamoró luego de Los Amigos Invisibles- que incluso podrían recordar a la banda Beirut. La canción, cantada casi de forma incomprensible por su rapidez y complejidad, invita a bailar como acto de rompimiento con los estándares culturales, como hace la canción.

Segunda parte

Aunque aún no se cubren 30 minutos, la otra "mitad" del disco empieza con la satírica Madrugal, un bolero cortísimo que tiene letras irónicas sobre la belleza de la arquitectura y el color local, según se le mire. 

Entonces tenemos la doble canción psicodélicas Pez/Verde, que empiezan y terminan de la misma forma, se reproducen inmediatamente una detrás de otras y en las letras se fusiona la historia del dolor del animal al ser capturado y su transformación material en un ciclo infinito que vuelve a empezar, como estas canciones.

Vida, tú que eres verde no me hagas tragar tu caliz

O es que quieres que encuentre la muerte

Ir allá contigo estar como aparte de ti

Manaties cocodrilos, me tragan, me procesan, me hacen de ti

Para continuar lo que es una genialidad, luego está La negrita, una samba que habla de migración con mucho sabor para pasar a la biográfica El Tatloani del Barrio, que habla de cómo se conocieron los papás del vocalista de Café Tacvba, que inevitablemente te hace pensar en crónicas latinoamericanas de realismo mágico, en que la verdad y la ficción se confunden en una región en que lo inexplicable y lo inverosímil se convierte en cotidiano, lo paranormal en común y lo extraordinario en costumbre.

A diferencia de otros discos, el final está lleno de canciones memorables, obligatorias para los conciertos y hasta para ser versionadas. Así le damos paso a Las Flores, mi canción favorita de la banda en toda su historia. Empieza como una especie de corrido/joropo que pasa rápidamente a un ska acústico que evoluciona con la letra, en que pasa el tiempo de un día y la vida, hacia electrónica psicodélica. 

Y seis veces para vivirte

Debajo de una misma Luna

Y otras nueve pasarán para

Sentir que nuevas flores nacerán

Cuando crees que puedes aflojar, viene El baile y el salón primero y El puñal y el corazón después. Primero hay una canción conocida por el coro Paparupapa eu eo (memorable en sus en vivo), suave, rítmica y que continúa con la combinación de instrumentos acústicos y bases techno, que parece ideal para el final de una película romántica (y medio punk) para luego dar rienda suelta a una canción que echa mano del bossanova, del mambo y finalmente del merengue, con un violín veloz, que te hace bailar hasta desmayar para superar el desamor ya tocado en La Ingrata, Esa Noche y El Metro.

El final no podría ser más perfecto: una canción a medio volumen, un jazz ligero, que apenas se escucha, a medio ritmo entre la balada y el swing, de menos de dos minutos sobre dos esclavos, hijos de indios y negros.

Ré es un disco basado en libros que evoca a escenas cinematográficas, que te hace bailar con folclor y ritmos latinos producido por músicos amantes del punk, del ska y del rock que presentó estos ritmos a nuevas audiencias, que conquistó corazones latinos y del mundo gracias al impulso de MTV y de críticos. Una "biblia del rock latinoamericano" que le cambió la cara a la región, al género y a las propias audiencias.

Un disco para cantar sus elaborados versos, para apreciar su instrumentación compleja y para bailar, así sea lleno de pensamientos filosóficos, pensando en injusticias sociales y deudas históricas en Latinoamérica, para bailar. Con canciones que tienen guitarras distorsionadas, mucho punk o letras enrevesadas, para bailar. A pesar de su visión ecologista, de protesta e ideológicamente de izquierda: ¡para bailar!

Los músicos

Además de Albarrán, compositor y cantante, el disco/banda está completado por Emmanuel del Real en teclados, piano, melodión, caja de ritmo, voz y coros; Joselo Rangel - guitarra acústica y eléctrica, jarana y coros y Quique Rangel - tololoche, contrabajo y guitarrón.

Entre los invitados estuvieron:

*Gustavo Santaolalla, quien además de producir el disco hizo el solo de guitarra acústica en "El baile y el salón".

* Tony Peluso (guitarrista de The Carpenters) en las pistas salvo La Pinta.

* Harry Scorzo - violín en "Esa noche" y "El puñal y el corazón"

* Roberto Hdez - banda en "El fin de la infancia" y trompeta en "La ingrata"

* Luis Conte (percusionista cubano clásico y de jazz) - percusión en "La negrita" y "El puñal y el corazón"

* Grupo Cielo y Tierra - coros en "El aparato" y "Trópico de cáncer"

* Ramón Stagnaro, solista peruano - requinto en "Madrugal"

* James Mason - saxofón en "El puñal y el corazón"

* Renee Grizell - flauta en "El ciclón", "Verde" y "El puñal y el corazón"

* Melissa Hassin - chelo en "El ciclón" y "Verde"